Cursos intensivos “Verano 2018”. AULARTE

En verano, a veces nos apetece acercarnos a culturas o a territorios poco explorados que nos interesan y a los que, en invierno, por diversos motivos, no tenemos tiempo de acercarnos. Con esta idea ofrecemos cuatro talleres monográficos para este mes de julio (un curso por cada semana del mes), con enfoques bien distintos que esperamos os generen interés. Como siempre, con nuestros amigos de AULARTE y su estupendo equipo docente, su metodología y con material audiovisual.

El número máximo de alumnos en cada grupo será de 10 personas.

Tienes los detalles de cada curso a continuación. Llámanos (915024951) y te aclararemos cualquier duda.

Primera semana: PICASSO, ¿OTRA VEZ TÚ?

PicassoPicasso en su estudio es uno de los artistas que más interés han despertado y sobre el que se han escrito más páginas. Entonces, cabe preguntarse ¿qué se puede contar de este genio que no se haya contado ya? En este curso pretendemos abordar la obra del pintor malagueño de una manera diferente. Huyendo de las etapas clásicas en las que se ordena su producción artística, proponemos una aproximación transversal a su pintura. Hablaremos de Picasso a través de un prisma poco frecuente.
  1. Guernica. Laboratorio del terror. Cuando el 27 de abril de 1937 el mundo se despertó conmocionado por el bombardeo que el día anterior había asolado la población vasca de Guernica, Picasso supo que eso era lo que quería representar en la obra monumental que el gobierno de la República le había encargado para el Pabellón Español de París. Sin duda, produjo una de las obras más icónicas de todo el siglo XX. Hablaremos de su contexto, los diferentes artistas que compartieron espacio con él en el pabellón, así como del periplo de la pintura una vez acabada la Exposición Universal.
  2. Picasso en el taller. Una de las mujeres de su vida, Fernande Olivier, se refería con estas palabras al taller del pintor en París «Nadie podía entrar sin permiso, donde no podía tocarse nada y donde, como de costumbre, el caos tenía que tratarse con respeto (…) El estudio no se limpiaba nada más que cuando Picasso lo mandaba… No se barría, pues no podía soportar que se tocara el polvo». El taller del pintor es el refugio de su creatividad. De París al sur de Francia, viajaremos por esos lugares sagrados para el pintor malagueño.
  3. Paráfrasis. Diálogo con los maestros. La huella de los grandes maestros estuvo latente durante toda su producción artística. Las figuras más emblemáticas de la escuela española desde el Greco a Goya, pasando por Velázquez, ayudaron a configurar su pintura. Pero no sólo dialogaba con los grandes artistas del pasado, sino que también bebió de los pintores contemporáneos del París del cambio de siglo, como Degas o Lautrec.
  4. Un legado eterno. La herencia que dejó Pablo Picasso a las generaciones posteriores fue una fuente inagotable de estímulos. La forma de entender el arte cambió desde que el genio español apareciera en escena. Los caminos abiertos por su pintura, sobre todo por su “invención” más feliz, el cubismo, fueron recorridos por artistas de diferente talante y en ese caminar configuraron la historia del arte del siglo XX.

Fechas: Del 2 al 5 de julio de 2018
Horarios: Lunes, Martes, Miércoles y jueves. De 19:30 a 20:30h
Duración total: 6 horas
Precio: Pago único de 80 €

Daniel Gómez Alonso
Daniel Gómez Alonso

Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid y la Università degli Studi di Bologna (Italia) por la Facoltà di Conservazione dei Beni Culturali (2008/09). Máster de Formación de Profesorado en la Universidad Rey Juan Carlos I (2010/11); trabajo sobre investigación en educación artística y museos titulado Los Anteojos del Arte. Curso oficial de la Comunidad de Madrid de Guía de Ruta (2011). Experiencia profesional docente como profesor de apoyo y refuerzo de secundaria y de Historia del Arte para Bachillerato. Desde 2012, trabaja en la escuela de arte Aularte, tanto como docente en cursos sobre historia del arte como guía turístico en museos y ciudad de Madrid.

Segunda semana. ARTE DE LA CALLE
. DEL TATUAJE AL STREET ART

Street ArtEl ser humano siempre ha tendido hacia el adorno, no sólo personal, sino también ambiental. Desde su asentamiento en la sociedad reciente como modalidades artísticas, las disciplinas del tatuaje y del grafiti están pasando por una época dorada de expresión. Son cada día más los artistas callejeros que trabajan en nuestras ciudades o las entrevistas que de ellos podemos leer en periódicos y revistas. Si quieres aprender a diferenciar los estilos y conocer la evolución de ambas disciplinas, este es tu curso.
  1. Los orígenes del adorno personal. El tatuaje hasta el siglo XX. El tatuaje, entendido como un modo de decorar el cuerpo humano, tiene un origen muy antiguo. En cada cultura y en cada época significó algo diferente. Posteriormente, el tatuaje dio paso a una modalidad conocida como Body Art; el cuerpo se va a convertir en lienzo sobre el que crear verdaderas obras de arte. En esta sesión conoceremos las diferentes técnicas del tatuaje y del Body Art, la evolución de esta modalidad y aprovecharemos para estudiar los ejemplos más destacados creados desde los orígenes hasta los albores del siglo XX.
  2. La consolidación del tatuaje como Arte. En esta sesión estudiaremos a los artistas más destacados y como, poco a poco, se crean estudios de diseño de artistas tatuadores que acaban sentando las bases del tatuaje como una modalidad a la altura del grabado o el dibujo sobre papel. Todos estos nuevos artistas, se reúnen en congresos y ferias donde se exponen los trabajos más destacados, siendo las obras fotografiadas. Esto nos dará para establecer un debate, ¿Quién acaba adquiriendo el protagonismo, el tatuador que no firma la obra o la persona que se realiza el tatuaje y sirve como soporte?
  3. Nueva York y el Estilo Salvaje. El nacimiento del grafiti. Hablar de Nueva York es hablar de foco cultural más destacado tras la Segunda Guerra Mundial. Todo ello va a fomentar que en la década de los sesenta, una serie de artistas denominados “callejeros” se lancen a pintar y a decorar los muros de las ciudades. Fue un estilo revolucionario y, muchas veces no entendido como Arte. Mediante el estudio de los primeros grafitis, conoceremos el origen de esta modalidad artística, las técnicas y los materiales empleados, así como los nombres de aquellos artistas que dieron origen al grafiti.
  4. España y su visión personal del arte callejero. Tabacalera y los últimos grafitis. Una vez que se asienta en Estado Unidos el arte callejero, éste va a cruzar el Atlántico y va a llegar en muy poco tiempo a Europa y España. En el continente fue rápidamente asumido como estilo artístico. En España se tardará algunos años más en asentarse. Gracias a esa lenta asimilación, el gran apogeo del grafiti está viviendo ahora sus años de consolidación. Con los muros de Tabacalera como telón de fondo, haremos una lista de los artistas más influyentes en activo y trataremos de dar las claves para diferenciar un grafiti de una pintada callejera.

Fechas: Del 9 al 12 de julio de 2018
Horarios: Lunes, Martes, Miércoles y jueves. De 19:30 a 20:30 h.
Duración total: 6 horas
Precio: Pago único de 80 €

África Martín-Delgado RodríguezÁfrica Martín-Delgado Rodríguez

Licenciada en Historia  del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Formación del Profesorado por la UDIMA (Universidad a Distancia de Madrid), especializada en metodologías intrusivas en contextos museísticos y arqueológicos en la ciudad de Madrid. Desde entonces ha trabajado como docente de Historia del Arte en institutos y asociaciones culturales y como Educadora en museos. Actualmente trabaja como guía y profesora en Madrid.

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Tercera semana: DIOSES, MITOS Y LEYENDAS

Dioses, Mitos y LeyendasA lo largo de los siglos, el ser humano ha tenido deseos primarios, a veces muy complicados de satisfacer. Para apagar esa sed vital se crearon los mitos: relatos e historias, a veces inventados o inspirados en textos precedentes, con el fin de guiarnos por el camino recto. Y en un mundo caracterizado por la escasa alfabetización a nivel general, se hicieron indispensables las imágenes. De esta manera nace la iconografía, disciplina apartada de la Historia del Arte, pero encargada del estudio, análisis y comentario de cualquier figuración, humana o animal, representada en cualquier soporte. Pero con el paso del tiempo y la descontextualización de las obras expuestas en museos, ¿cuántas veces nos hemos colocado delante de un cuadro y nos hemos visto incapaces de resolver el acertijo que supone la imagen que tenemos frente a nosotros? Dentro del mundo mitológico, son muchos los mitos, deidades, héroes y hombres que han sido protagonistas de la Historia del Arte. Supone, a día de hoy, un verdadero reto no sólo conocer el tema tratado sino el significado, real o alegórico que cada autor quiso trasmitir en su tiempo.
  1. El origen del mundo. Principales deidades. El origen del mundo ha tenido numerosas interpretaciones en las diferentes culturas.En el paganismo grecolatino, partiremos de Hesíodo, creador de la cosmogonía griega más antigua; avanzaremos por las diferentes entidades que se van creando a partir del Caos: Érebo, Éter, Nix o Hémera, para después acudir a las primeras deidades: titanes y gigantes. En el caso cristiano es muy diferente, se parte de un Dios generador del mundo, que con su acción crea todo lo que hoy conocemos. Cuenta de ello da el Génesis, primer libro de la Biblia. Haremos un rastreo por algunas imágenes para ilustrar la teoría. Especial interés para nosotros tendrá la representación de las primeras deidades y pobladores de la tierra. Para ello haremos una diferenciación entre la iconografía clásica y la cristiana.
  2. El Cielo y el Infierno. El pesaje de las Almas. Estos dos conceptos definitorios del bien y el mal, son entendidos en cada época de una manera compleja y diferente. Una vez pasada la vida terrenal y alcanzada la muerte, encontramos un denominador común: el Pesaje de las almas o Psicostásis, procedimiento por el cual se determina la condenación o la salvación eterna pesando en una balanza tus acciones malas y buenas llevadas a cabo en la vida terrenal.
  3. Los Dioses del Panteón: Grecia y Roma. Con la llegada de población indoeuropea al territorio griego, las primeras deidades, que tantos conflictos habían generado, empiezan a ser relegados por un nuevo Panteón. Así es como se generará el Olimpo, que estará presidido por Zeus, el dios supremo, y se rodeará de once compañeros: Hera, Hestia, Poseidón, Hades (hermanos de Zeus), Ares, Hermes, Hefesto, Atenea, Apolo y Artemisa (hijos de Zeus) y Afrodita y Dionisio. En la presente sesión nos dedicaremos a estudiar la iconografía de cada dios por separado. Incluiremos un apartado de extrema actualidad con inclusión de estos dioses griegos en el cine ya que se trata de las últimas versiones iconográficas.
  4. Principales relatos mitológicos: Pandora, Dánae y Atalanta. Las alegorías. Analizaremos los mitos que implican a los héroes y hombres a través de la figura femenina. Han sido tres sobre todo las mujeres destacadas en iconografía clásica. La primera en aparecer fue Pandora, una mujer creada por Zeus y colmada de regalos por los dioses, es mandada a los hombres. La segunda protagonista será Dánae, amante de Zeus y madre de Perseo. Por último tenemos a Atalanta, imagen quizá algo más desconocida y en la frontera entre lo masculino y femenino. En un segundo plano, hablaremos de las alegorías o personificaciones, imágenes utilizadas para simbolizar una idea abstracta; haremos un pequeño apartado de las más importantes, entre las que destacan Niké, Fortuna o Fama.

Fechas: Del 16 al 19 de julio de 2018
Horarios: Lunes, Martes, Miércoles y jueves. De 19:30 a 20:30 h.
Duración total: 6 horas
Precio: Pago único de 80 €

África Martín-Delgado RodríguezÁfrica Martín-Delgado Rodríguez

Licenciada en Historia  del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Formación del Profesorado por la UDIMA (Universidad a Distancia de Madrid), especializada en metodologías intrusivas en contextos museísticos y arqueológicos en la ciudad de Madrid. Desde entonces ha trabajado como docente de Historia del Arte en institutos y asociaciones culturales y como Educadora en museos. Actualmente trabaja como guía y profesora en Madrid.

Cuarta semana. EL ARTE DE COREA: UN PUENTE DENTRO DE ASIA ORIENTAL

Arte en CoreaLa Península de Corea ha sido tradicionalmente un centro de transmisión artística y cultural en Asia Oriental, desde China hacia Japón, pero al mismo tiempo ha gozado de un protagonismo y de una capacidad de innovación que lo diferencian enormemente con respecto a sus países vecinos. Este curso aborda los hitos clave de las manifestaciones artísticas de Corea desde una perspectiva no tanto histórica como estética y cultural y antropológica. El curso confluye hacia la situación actual de la Península de Corea, a cuyo contexto contemporáneo se dedica la última sesión, para tratar de explicar el creciente protagonismo de ambas Coreas, del Norte y del Sur, en el mundo actual.
  1. Budismo,confucianismo y chamanismo. El ritual y su influencia en las artes. La primera sesión se centra en la enorme diversidad religiosa y ritual que ha marcado históricamente a la cultura coreana y que pervive con plena vitalidad en la Corea contemporánea. El budismo, con origen en India y filtrado a través del taoísmo chino, se mezcla con la importancia social y familiar del confucianismo, y también con el fortísimo arraigo de prácticas chamánicas que tienen su origen en la cultura de las estepas asiáticas. Esta sesión se centra en las particularidades de cada una de estas manifestaciones, y su influencia en las artes tradicionales de Corea.
  2. La cerámica en Corea. El celadón y las obras del periodo Dinastía Joseon. La cerámica es uno de los capítulos más importantes de todo el arte asiático y Corea goza de una posición de protagonismo histórico junto a China y Japón. Tradicionalmente la Península de Corea ha perfeccionado las técnicas, los procedimientos y las tipologías legadas por la tradición alfarera china y ha ejercido una influencia decisiva en el desarrollo de las formas cerámicas ligadas a la cultura japonesa del té. Esta sesión aborda en particular la riqueza y perfección de la técnica coreana del celadón Goryeo, y la evolución cerámica posterior, en particular los buncheongy los “claro de luna” del periodo Joseon.
  3. Las artes del pincel. La pintura y la caligrafía. El alfabeto hangul. Las artes del pincel designan todas las manifestaciones ligadas a la poesía, la caligrafía y la pintura de paisaje, en las que Corea hereda pautas desde China para alcanzar nuevas cotas artísticas y estéticas. En esta sesión se abordan las manifestaciones plásticas del budismo coreano de meditación (el budismo Seon), tan importante por su proyección japonesa en forma de Zen. Por último, la sesión analizará la importancia de la convivencia de dos formas de escritura radicalmente diferentes, la ideográfica china y la alfabética coreana (el hangul), que comparten un rasgo caligráfico común: la importancia de la expresividad del gesto y la pincelada.
  4. La cultura de las Dos Coreas: la península de Corea en el s. XX y sus destinos divergentes. La Corea contemporánea ha estado marcada por dos fases dramáticas: la ocupación japonesa en la primera mitad del siglo XX y la partición en dos repúblicas independientes desde la guerra de 1950-53. Desde entonces, la cultura de Corea del Norte y del Sur, a pesar de su origen común, ha derivado en dos contextos radicalmente diferentes que hoy se dan la espalda sin aparentes perspectivas de reunificación. Esta sesión abordará el impacto de la partición de Corea y las artes que ha desarrollado cada uno de los países desde mediados del siglo XX: la cultura oficial y de propaganda de Corea del Norte, y el arte experimental y cosmopolita de Corea del Sur.

Fechas: Del 23 al 26 de julio de 2018
Horarios: Lunes, Martes, Miércoles y jueves. De 19:30 a 20:30 h.
Duración total: 6 horas
Precio: Pago único de 80 €

Sergio Román Aliste
Sergio R. Aliste

Doctor en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid con una tesis sobre el origen de la modernidad en India a través de la enseñanza artística. Coordina el Título Propio UCM de Especialista en Arte de India. Es miembro del Proyecto I+D “Trama”, centrado en el arte en el escenario transcultural, y ha sido miembro del Grupo de Investigación Arte de Asia. Ha realizado estancias de investigación en el School of Oriental and African Studies (SOAS, University of London), Visva-Bharati University (Santiniketan, West Bengal) y en el American Institute of Indian Studies (Delhi-Gurgaon) y cuenta con varias publicaciones centradas en arte y arquitectura de Asia y en su relación con Occidente. Recientemente ha coordinado un proyecto de intercambio de artistas españoles con pintores-narradores ‘chitrakar’ del estado de Bengala Occidental, premiado en el VII Certamen Complutense de Divulgación Científica.

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