Presentación de La energía del corazón (Ed.Universo de letras), de Jorge Martín Campal.
2025-03-21 19:00 - 22:00 (Europe/Madrid)
SINOPSIS:

La sabiduría del crecimiento late en tu interior. Eres demasiado inteligente como para vivir estresado y sin proyecto de vida. En esta obra te enseño las 8 claves para salir del laberinto. El secreto está en conectar con tu corazón 4.0. Cuando aprendes a conectar con las frecuencias cardíacas adecuadas, el estrés desaparece, el proyecto de vida florece y aumenta el bienestar. Es un proceso natural. No te prometo fórmulas mágicas porque cultivar el estado de coherencia necesario te corresponde a ti. Tú decides si permaneces en la ignorancia.

Jorge Martín Campal

Jorge nació en Madrid en 1975. Desde bien pequeño siente que guarda un tesoro en su interior. Tras terminar los estudios de ingeniería, su espíritu investigador le lleva a dedicar 8 años a explorar el corazón. Revisa las publicaciones científicas más actuales y mide en primera persona el funcionamiento armónico de su corazón con datos reales y demostrables. Como ingeniero cardíaco, organiza eventos enfocados en aumentar el bienestar de las personas desde la sabiduría de su corazón 4.0.

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Presentación de la La enfermedad de la broma (Ed. Milmadres), de Berta Albert.
2025-03-20 19:00 - 22:00
Acompañará a la autora en la presentación el escritor David Gallego.

SINOPSIS:

Cuando su madre y su hermana se autoencomiendan el cuidado del padre, que enfrenta sus últimos días, a Berta, la protagonista de esta novela, la obligan a hacerse cargo de la abuela, que por esas cosas extrañas de la vida, eso que nunca sucede, es un incordio, alguien que se ha caracterizado por poner palos en las ruedas al resto de la familia, especialmente al hombre que ahora está a punto de morir. Berta llevará como pueda este encargo.Página a página nos iremos acercando a ese nuevo estado civil que está a punto de llegarle a la protagonista. Y lo hacemos desde el asombro, pero también desde el absurdo que es pasar a llevar, como una marca, el sanbenito de huérfana en vez del de soltera o casada, que es con el que siempre insiste la abuela.Aunque en La enfermedad de la broma, su novela debut, Berta Albert no se autocalifica de esta forma, la idea late en su trasfondo: qué hacer cuando lo que antes se contaba en vida ahora se cuenta en muerte. Y la respuesta viene dada desde una autoficción que evita el regocijarse en el dolor y en la queja, y que, por el contrario, busca esos pliegues por donde la vida muestra su absurdo.

De esta forma, La enfermedad de la broma logra algo que muy pocas novelas del yo consiguen: hacernos reír como única respuesta eficaz ante lo más inevitable de lo inevitable, sino la propia muerte, la muerte de los que amamos.

Berta Albert

Nací en 1991 en Villena, un pueblo en forma de longaniza del interior de Levante. Lloré los tres primeros años hasta que mis padres me regalaron un agapornis. Algo más crecida, descubrí la escritura.

En cuanto pude, garabateé poemarios kitsch y libros del tipo «escoge tu propio desenlace», que hacía leer a la familia. Los finales acababan todos en muertes súbitas, tipos distintos de ausencia, a excepción de uno en el que la protagonista se recluía de por vida en el campanario de la Iglesia de Santiago, donde acudía obligada a misa con la abuela.

Siempre que pude, viví como un «Cuasimodo nómada»: en Barcelona, Inglaterra y Bélgica, donde estudié Traducción e Interpretación; Irlanda, donde cursé un Máster en Administración y Dirección de Empresas; Valencia y Madrid.

Me salió joroba en el dedo corazón de apretar el boli. Me salió joroba en la espalda de apretar los dientes. Me dediqué al marketing para pagar el alquiler del campanario.

De adulta, quise conocer las bases de la escritura y de la lectura crítica, y me uní a la X promoción del Máster en Escuela de Escritores. Fue una experiencia única. De mi paso por allí, recuerdo el talento descarado de mis compañeros/as, a los profesores/as y alguna frase-sentencia que incorporé al repique de campanas que arrastraba desde niña.

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Presentación de Fallo del sistema (Ed. Coleman), de Roberto Osa.
2025-03-14 19:00 - 22:00
Junto al autor, presentará el libro el escritor y periodista Bruno Galindo.

SINOPSIS:

Primero llegó la fiebre, luego la anguila. Fallo del sistema nos sumerge en dos crisis que han marcado nuestra historia reciente. Con una prosa vibrante y testimonial, a caballo entre la novela y la crónica, Osa expone el colapso de un mundo confinado y de una mente atrapada en su propio encierro. ¿Cómo se sobrevive cuando la enfermedad persiste, aunque el virus se haya ido? Un relato de resistencia, memoria y humanidad en tiempos de incertidumbre.

«Este es el relato de un lento derrumbe y de la salvación por medio de la escritura. Es un libro sobre la pandemia, pero no sólo. Sobre la crisis de los cuarenta, pero no sólo. Esta historia honda y conmovedora nos habla de la pelea por la vida y de la capacidad de supervivencia de los humanos. Imposible no sentirse identificado y atrapado».

Rosa Montero

«No hace tanto, cinco años, vivimos un Apocalipsis zombi. Tan cercano y lejano a la vez. Como superviviente en primera línea del virus respiratorio, y sus devastadoras consecuencias para la salud mental, Roberto Osa se ha impuesto la tarea moral de recordarse -y recordarnos- la necesidad de levantar «un dique contra el olvido colectivo.

De ahí la importancia de este testimonio directo, vibrante y crudo, cargado de preguntas incómodas, narrativamente hipnótico. Una película de terror pero también de coraje y esperanza”.

Eloy Tizón

Roberto Osa

Morderás el polvo (2017), su debut en la novela, ganó el Premio Felipe Trigo, quedó Finalista del Premio Nadal y fue traducida al italiano en 2021. Entre 2017 y 2019, fue seleccionado para el Programa CELA. (Connecting Emerging Literary Artists}, un proyecto de la Unión Europea para dar a conocer a los más destacados escritores emergentes del continente, y gracias al cual sus relatos han sido traducidos al italiano, neerlandés, portugués y rumano.

Realizó el proyecto transmedia Trece días en nuestra nevera(2018), financiado por Creative Europe y Dutch Foundation for Literature, y apoyado y difundido por Escuela de Escritores, Pisa Book Festival, Hay Festival, Bookfest Bucarest, De Buren (Bruselas) o las entidades neerlandesas Wintertuin y Artez University of Arts. Correspondencia, su primera obra dramática, ganó el Premio Ciudad de Málaga de Teatro 2019 y ha sido traducida al inglés. En su pueblo, lo conocen como el hijo de la Tere y el Pancho.

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Presentación de A orillas de la labor (Ed. Cuadernos del laberinto), de Luis María Marina.
2025-03-13 19:00 - 22:00
Junto al autor presentará el libro el escritor Ignacio Vázquez Moliní y Jorge Valdés Díez-Vélez.

SINOPSIS:

A orillas de la labor reúne un conjunto de ensayos en los que la vida diplomática de su autor se funde sin solución de continuidad con la reflexión acerca de las tradiciones literarias de dos de los países, Portugal y Argentina, en que ha estado destinado. Frente a los ojos acelerados del presente, su mirada se despliega a otro ritmo: el de que se toma el tiempo de conocer al otro como primer paso para poder llegar a entenderlo. Y entonces, quizás, ver reflejado en su espejo algo de lo que somos.

«Los años y los destinos me han ido reafirmando en la creencia de que la cultura de los países que nos caben en suerte no es en absoluto ajena al desempeño de nuestra profesión; no, desde luego, menos que la política, la economía, la sociología o la historia. Es más, uno tiende a pensar que conocer los presupuestos culturales de las sociedades que nos acogen, incluso aquellas manifestaciones que pueden no ser mayoritarias en nuestro tiempo histórico, como es el caso de la poesía hoy, resulta esencial para el cumplimiento de nuestra tarea como diplomáticos, de la misma manera que el arquitecto que recibe el encargo de levantar un edificio debe conocer la naturaleza del suelo en que va a cimentar su obra. Y cuanto más profundamente consiga ver en esos estratos geológicos, más sólidas serán las bases de su trabajo».

Luis María Marina

(Cáceres, 1978) es licenciado en Derecho y diplomático de carrera. Ha ocupado puestos en las Embajadas de España en México (2006-2010), Lisboa (2010-2015) y Túnez (2017-2019). Dirigió el Centro Cultural de España en Buenos Aires (2019-2020) y ha sido Consejero Cultural de la Embajada de España en Argentina (2019-2023). Actualmente es director de Relaciones Internacionales del Instituto Cervantes.

Ha publicado los poemarios Lo que los dioses aman (El Tucán de Virginia, México, 2010) Continuo mudar (Editora Regional de Extremadura, 2012), Materia de las nubes (De la luna ediciones, Mérida, 2014) y Nueve poemas a Sofía (Olifante, 2014). También ha publicado los ensayos Limo y luz. Estampas de la ciudad de México (Ficticia, México, 2014), Las tentaciones de Lisboa (Trea, 2015) y De la epopeya a la melancolía. Estudios de poesía portuguesa del siglo XX (Prensas Universitarias de Zaragoza, 2017), y un volumen de sus diarios, El cuento de los días. Diarios mexicanos 2008-2010 (CEXECI, 2015).

Ha traducido a varios autores de lengua portuguesa, entre ellos António Ramos Rosa, Alberto de Lacerda, Rui Knopfli, Nuno Júdice, Ana Luísa Amaral o Daniel Faria. Su labor como traductor ha sido reconocida con la concesión del xvi Premio Giovanni Pontiero que otorgan el Instituto Camões y la Universidad Autónoma de Barcelona.

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Recital de poesía Ante el umbral (Ed. Cuadernos del laberinto), de Alicia Trujillo.
2025-03-12 19:00 - 22:00
Acompañarán a la autora la poetisa Alma Grau y Alicia Arés, editora.

SINOPSIS:

El arte y la vida se entremezclan, al igual que el sueño y la muerte o el sol y la oscuridad. Todo llama a su opuesto, y todo opuesto se toca. El milagro se produce cuando nuestra propia voz es la que logra reflejar lo antagónico y evidenciar la libertad que cruza esa barrera, ese umbral, del que nos habla Alicia Trujillo, sabedora de que la palabra puede redimir pero, igualmente, puede dañar.Ante del umbral es un itinerario obscuro y claro ùal mismo tiempoù, intimista y profundo sobre la esencia artística, sobre esos arcanos que se deslizan en el acto de la creación y que confieren al ser humano un valor único y eterno.Alicia Trujillo vive para la literatura; y eso es un don que tarde o temprano tenía que estallar para obsequiarnos con este conjunto de poemas trascendentes y bellos que rozan los límites ùel umbralù de la percepción.

Alicia Trujillo Aragón

Madrid, 1992. Licenciada en Psicología y Máster en Espiritualidad Transcultural. Realizó el trabajo final de investigación sobre la relación de líderes de sectas espirituales y los trastornos de personalidad.

Ha colaborado con relatos en revistas literarias como Almiar, Letralia, Canibaal y Masticadores de Letras y Fábula. Es coautora de la obra Archipiélago 988, libro de relatos y de la antología Autorretratos poéticos (Cuadernos del Laberinto).

Por el lado de la no ficción, la revista Frontera Digital publicó la entrevista que realizó al Catedrático Emérito de Medicina Francisco José Rubia y un ensayo sobre la poetisa Alejandra Pizarnik.

En 2024 ganó el segundo premio del IV Certamen Internacional de Poesía y Prosa Poética Espejo de Alicante. La editorial Cuadernos del Laberinto acaba de publicar Ante el umbral, su primer poemario.

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Presentación de Fenomenología de la ansiedad (Ed. Herder), de Stefano Micali.
2025-03-08 12:00 - 14:00
Presentarán el libro el Dr. Agustín Serrano de Haro, profesor titular del CSIC y Joan González Guardiola, presidente de la Sociedad Española de Fenomenología.

SINOPSIS:

La ansiedad es un fenómeno afectivo que puede protegernos del peligro y ser un peligro en sí misma. ¿Pero cuándo está justificada? ¿Cuándo deja de funcionar como señal eficaz y razonable para prevenir amenazas inminentes y se convierte en una proyección invasiva de nuestros propios fantasmas? Este libro muestra a través de un exhaustivo análisis fenomenológico cómo la ansiedad produce una alteración de las dimensiones de encarnación, conciencia del tiempo y fantasía.

Partiendo de la metodología polifónica de Bakhtin y apoyándose en las voces de pensadores de la talla de Kierkegaard, Husserl, Freud, Blumenberg, Heidegger, Sartre, Adorno, Derrida y Lévinas, Stefano Micali elabora nuevas categorías para comprender la ansiedad y ofrece un análisis fenomenológico de sus rasgos esenciales.

Micali explora nuevas perspectivas sobre la compleja relación entre ansiedad, miedo y trauma, a la vez que hace dialogar a la historia del arte y la antropología cultural, la psicopatología y la teología, la literatura y la filosofía política. AUTOR Stefano Micali es profesor en la Universidad Católica de Lovaina, Bélgica y director del Centro de los Archivos Husserl: Centro de Fenomenología y Filosofía Continental.

Ha publicado más de 50 artículos en los principales idiomas en áreas de investigación que abarcan la psicopatología, la religión, la filosofía política y la estética. Es autor de cuatro libros monográficos: Überschüsse der Erfahrung (2008), Esperienze temporali (2008), Tra l’altro e se stessi (2020) y Fenomenología de la ansiedad. Además, ha coeditado varios libros sobre la relación entre filosofía y psicopatología.

Stefano Micali

Stefano Micali es profesor en la Universidad Católica de Lovaina, Bélgica y director del Centro de los Archivos Husserl: Centro de Fenomenología y Filosofía Continental. Ha publicado más de 50 artículos en los principales idiomas en áreas de investigación que abarcan la psicopatología, la religión, la filosofía política y la estética.

Es autor de cuatro libros monográficos: Überschüsse der Erfahrung (2008), Esperienze temporali (2008), Tra l’altro e se stessi (2020) y Fenomenología de la ansiedad. Además, ha coeditado varios libros sobre la relación entre filosofía y psicopatología.

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Presentación de Ventanas en la selva (Ed. Olé Libros), de Alberto V. Covián.
2025-03-06 19:00 - 22:00
Junto al autor, presentará el libro el escritor Roberto Osa.

SINOPSIS:

«Asistimos en la lírica de Alberto al funeral de una nostalgia, que puede ser la misma que nos empuja al universo Cobián, al que se accede a través de una verdad y donde nos crece fruta en las mejillas, silbamos a pájaros sin plumas o comemos tostadas con un desconocido.

Dentro de esas ventanas, que encierran el diálogo entre música y escritura, y donde tropezamos con Henry Miller, con Bach, con Judas Priest o con el perro de Goethe, Alberto nos dispara insultos que se vuelven elogios, nos trae en sus versos ballenas y campos de aluminio, platos de ducha plagados de espigas y mujeres que lavan en los volcanes, y un mar tranquilo al que llamamos estúpida madurez.

Alberto Cobián sufre con todo para que nosotros podamos disfrutar de su poesía, construye ventanas y selvas y cárceles deseables, como estos poemas, que son hermosura y silencio y exilio de nosotros mismos, como el aullido con el que nos anuncia el réquiem de la juventud, siempre atrapada en un vino, un poema o una canción.»

Del prólogo de Roberto Osa

Alberto V. Covián

Alberto Vázquez Cobián (Badajoz, 1986). Ha cursado estudios de audiovisuales en la Escuela CES. Fue alumno del Máster de Narrativa de Escuela de Escritores además de haber cursado varios talleres literarios como Music in poetry de Juerguen Berlakovich.

Actualmente estudia un grado de Historia del Arte en la UNED. Es cofundador de la plataforma A small apartment con la cual lanza los álbumes musicales Birds that fly asleep y Adoratio Idoli, an electronic mass.

Como compositor ha trabajado en publicidad, cortometrajes y largometrajes. Compone la música para la película ‘La viajante’, de Miguel Mejias, cuya banda sonora recibió una candidatura para los premios Goya.

Actualmente está desarrollando el Estudio Somormujo, una residencia de grabación y composición musical en la dehesa extremeña. Ventanas en la selva es su primer libro de poemas.

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Presentación de La mirada rasante (Ed. Bartleby), de Eva Molina Saavedra.
2025-02-28 19:00 - 22:00
Junto a la autora, presentará el libro el profesor universitario Rafael Morales Barba.

SINOPSIS:

La mirada rasante, primer libro de poemas publicado de la granadina Eva Molina Saavedra, se sitúa en un territorio de introspección meditativa desde el cual asomarse y descubrir realidades insospechadas, a partir de una hipersensibilidad que no renuncia a rebelarse contra la injusticia o lo absurdo, en ocasiones, o en abrazar y dar calor desde lo corpóreo y emocional, si es necesario. Se trata de dar cuenta de las consecuencias de una lucidez que muchas veces preferiría no saber y no asistir a la acumulación psíquica de planos e imágenes que se inclinan por sus significados, y que nos pueblan. Pero también La mirada rasante se apoya en un escepticismo tamizado y descreído que posee la poesía como asidero, tal vez el único que nos queda, desde el que intentar comprender el mundo, nuestra historia individual y colectiva y los sentimientos que nos configuran. Juan Carlos Abril

Eva Molina Saavedra

Eva Molina Saavedra (Granada, 1969). Es máster en Cinematografía por la Universidad de Córdoba, licenciada en Antropología Social y Cultural por la UNED, y en Filosofía por la Universidad de Granada. Ejerce la docencia de esta materia en un instituto de enseñanza secundaria de su ciudad natal. Su poesía ha sido incluida en varias antologías, y ha publicado poemas en diversas revistas. La mirada rasante es su primer libro.

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Maestro de Lobos: Micrófono abierto y tertulia de poesía.
2025-02-25 19:00 - 22:00, 2025-01-27 19:00 - 22:00
Moderan los poetas Miguel Ángel Curiel, José Antonio Llera, Elma García.

El espacio mensual para la poesía Maestro de lobos es un proyecto de encuentro abierto para los amantes de la poesía, cuyo objetivo es el de crear un espacio para la discusión alegre y amigable de todos los aspectos relacionados con la poesía de nuestro tiempo. Así queda abierto a todos los territorios de la expresión poética, como la performance, jam, la tertulia, la presentación, lectura de libros, recitales, micro abierto y charlas de autores invitados. Desde Maestro de lobos, lugar para la poesía contemporánea, queremos crear un espacio mensual para la poesía lo más abierto posible para todos los que nos gusta explorar y compartir nuestras indagaciones.

¡Únete a nosotros y hagamos crecer este encuentro!

Miguel Ángel Curiel

En el año 2000 gana el accésit del premio Adonais con el libro El VERANO. Desde entonces su obra poética se aparta definitivamente de las tendencias poéticas más dominantes y vigentes en nuestro país, hasta desarrollar una voz original e inusual en la poesía española actual.

Miguel Ángel Curiel ha sido becario de la Academia de España en Roma (Beca Valle Inclán para escritores) entre los años 2009 y 2010. Entre sus libros destacan EL AGUA, (poesía 2002-2012) Finalista del premio nacional de poesía 2013. ASTILLAS, Calambur, Madrid, 2015. El NADADOR, 2016, finalista del premio nacional de poesía 2018. JARAÍZ, 2018, finalista del premio nacional de la crítica 2019. Miguel Ángel Curiel es un creyente de la poesía.

A lo largo de su ya larga trayectoria, que se inició con el accésit al premio Adonáis en los albores del cambio de milenio, la crítica ha destacado de su obra la hondura y también la experiencia liminar entre el Eros y el Thánatos, así como su no amoldamiento a las actuales modas o modos de la poesía española. Su obra poética según la crítica, se aparta de manera radical de las tendencias del momento en la poesía española para adentrarse, desde una voz heterodoxa en los escenarios donde los grandes dramas de la existencia se conjugan y se desarrollan.

José Antonio Llera

Profesor de literatura española en la Universidad Autónoma de Madrid. Ha publicado los libros de poesía: Preludio a la inmersión (1999), El monólogo de Homero (2007), El síndrome de Diógenes (2009) y Transporte de animales vivos (2013).

Ha estudiado el humorismo hispano y la poesía española contemporánea, asuntos a los que se ha acercado con enfoques interdisciplinares y comparatistas en libros como: El humor verbal y visual de La Codorniz (2003), El humor en la obra de Julio Camba. Lengua, estilo e intertextualidad (2004), Los poemas de cementerio de Luis Cernuda (2006), Rostros de la locura: Cervantes, Goya, Wiseman (2012) y Lorca en Nueva York: una poética del grito (2013). Editó el epistolario inédito de Miguel Mihura y una antología de artículos de Wenceslao Fernández Flórez. Colabora habitualmente en Cuadernos Hispanoamericanos.

Elma García

(Salamanca, 1974). Estudia periodismo en Salamanca. Después de vivir en California, regresa con un Máster en Comunicación y trabaja en varias agencias de publicidad.

Oposita para técnico de Empleo y desde 2009 trabaja en diversas oficinas de empleo de la Comunidad de Madrid. Forma parte de la XII promoción del Máster de Narrativa y de la III del Máster de Poesía de Escuela de Escritores. Ha colaborado en «Menos mal que no se oye lo que pienso», blog elaborado por el colectivo médico LARCS en Público. Ganó el primer concurso de «Cuentos para el Andén y Fuentetaja» con el microrrelato «Peces en 2013». CpE también publicó su relato «Un dragón de azoteas» en 2016 y La Rompedora publicó «Ojos de niebla», relato de 2021 y varias poesías en 2023.«Amniótica» (Ed. Coleman) es su primera novela.

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Presentación de Joaquín Torres-García. Historia de mi vida (Ed. Fórcola).
2025-02-24 19:00 - 22:00
Contaremos con la presencia de Juan Manuel Bonet quien conversará con José Ignacio Abeijón, responsable de la edición.

SINOPSIS:

Historia de mi vida es una obra muy rica y completa, que nos proporciona una información biográfica enorme, exhaustiva y fiable de la vida y el arte constructivo de Joaquín Torres-García donde ofrece un fresco detallado de los movimientos artísticos e intelectuales de Madrid, Barcelona, París y Nueva York del primer tercio del siglo XX.

Joaquín Torres-García

Nacido en la ciudad de Montevideo en 1874, de padre catalán y madre uruguaya, Joaquín Torres García crece en las afueras de la ciudad en un ambiente de gran libertad. Su formación escolar fue autodidacta y su vocación por el arte, espontánea e inédita en una familia de comerciantes y carpinteros.

Convencido de que su destino es ser pintor, el joven Torres convence a su padre para retornar a su país natal, y en 1891 toda la familia emigra a Barcelona. Al instalarse en el pueblo de sus ancestros, Joaquín se impresiona al descubrir la presencia de la antigua cultura mediterránea en la vida diaria. Cursa una breve formación artística académica, para luego retomar su camino autodidacta. Para ganarse la vida comienza a trabajar como ilustrador de revistas y libros.

Desde sus primeros años Torres García rechaza la pintura que trata de imitar la realidad, y tiende a la pintura que construye una realidad en sí misma. Así, en la primera década del siglo realiza su “Arte Mediterráneo”, donde la antigüedad clásica cobra vida en clave moderna por su fuerte estructura y carácter plano y sintético.

En esos años Torres se aboca al arte mural, decorando iglesias, casas particulares y edificios públicos.

A partir de 1916, en un contexto de guerra mundial y conmociones sociales Torres García experimenta un cambio vital y artístico que se ha llamado “la crisis del 17”. La ciudad, la gente y el ritmo de las calles se tornan protagonistas de su obra y se relaciona con artistas de vanguardia como Rafael Barradas y Salvat Papasseit. En 1920 se muda con su esposa e hijos a Nueva York. En su obra de entonces aparecen la tipografía y elementos gráficos que resuenan al ritmo visual de la moderna metrópolis.

Cuando en 1926 Torres García se instala en París, se integra plenamente a las vanguardias y crea el grupo “Cercle et Carré”. En sus obras constructivas estructura el espacio plástico en líneas ortogonales trazadas en base a la sección áurea, desplegando en él signos de resonancia universal. Se trata pues de encontrar un equilibrio entre la razón y la intuición.

En 1934 vuelve a Montevideo para radicarse allí definitivamente con la intención de generar un movimiento artístico apoyado en las ideas del Universalismo Constructivo, que trasciende los límites de la teoría estética para constituirse en un modo de entender el arte y la vida. Dicta numerosas conferencias, edita revistas y libros, realiza audiciones radiales. En 1935 crea la Asociación de Arte Constructivo y en 1942 se consolida el Taller Torres García. Cuando fallece en 1949, Torres García es guía y mentor de una pléyade de jóvenes pintores.

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Presentación de La extraña aparición de Tecla Osorio (Ed. Funambulista), de Mercedes Deambrosis.
2025-02-20 19:00 - 22:00
Junto a la autora, presentará el libro el traductor del mismo, Eduardo Gallarza.

SINOPSIS:

Cuando Tecla Osorio se esfuma sin dejar rastro en un pueblo perdido de Castilla, su desaparición se convierte en un eco del silencio impuesto por el olvido. En 2009, once años después, su aparición inesperada desata un torbellino de emociones y secretos largamente enterrados, en su familia, en sus allegados, pero también en toda la comunidad, sin olvidar a la Guardia Civil, que debe reabrir un caso que nunca llegó a instruir como es debido.Con la violencia y la tensión apagadas de las novelas cortas de García Márquez y el misterio de las películas de David Lynch, la prosa afilada de la autora disecciona las entrañas de una sociedad atrapada entre el presente y un pasado que se niega a morir.

Eduardo Gallarza concluye en su postfacio : «Pocas novelas he leído —bueno, prácticamente ninguna— que logren con mayor certeza, concisión y elegancia desarmar los postizos de la civilización para dejarnos ante la desnudez del alma. Que cada lector saque provecho de su paseo por el infierno».

«Dio gracias a Dios, un pensamiento nefasto asomó furtivamente, y se santiguó para rechazarlo. ¿Por qué su hija había vuelto? Era demasiado tarde, todo en la vida llega demasiado tarde…

Mercedes Deambrosis

Mercedes Deambrosis (Madrid, 1 de octubre de 1955) es una escritora de ficción hispanofrancesa. Nació en España, pero a los 12 años se trasladó a Francia. Realizó estudios de periodismo en París, donde comenzó a escribir influenciada por autores como Anaïs Nin, Federico García Lorca y Simone de Beauvoir, entre otros. utora de una docena de obras, todas ellas saludadas por la crítica francesa, algunas de sus novelas tratan sobre la vida de las mujeres en la España de la Guerra Civil y de la posguerra.

A Deambrosis ha sido en numerosas ocasiones jurado de premios literarios en Francia y ha impartido talleres de escritura. Dos de sus obras habían sido traducidas al español: Una tarde con Rock Hudson y El paseo de las delicias. Ganó el Prix du Printemps du Roman en 2015 con La extraña aparición de Tecla Osorio.

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Presentación de Carapús (Ed. Aliar), de José María Mayorga.
2025-02-14 19:00 - 22:00
Junto al autor, presentará el libro la periodista y escritora Carla de Lá Lá.

SINOPSIS:

Vicente Marín es un comisario de policía fracasado y solitario. Su vida cambia al empezar a recibir una serie de cartas anónimas. En ellas, un hombre con alzhéimer apodado Carapús asegura haber ajustado cuentas con ciertas personas antes de que la enfermedad borre para siempre su memoria. Tras asesinarlas, escondió sus cuerpos en lugares que de niño imaginó como sitios perfectos para ocultar cadáveres y que fue apuntando en un cuaderno rojo. Una afición infantil que de pronto, como adulto, tuvo su utilidad.

La primera víctima, Duglas, fue el responsable del bulling que padeció Carapús en el colegio y autor del humillante mote. Su cuerpo se encuentra en el maletero de un viejo automóvil amontonado en un desguace

El comisario desconoce por qué Carapús le confiesa sus crímenes, mientras va desarrollándose entre ellos una extraña relación de dependencia psicológica. Cuando descubre la razón, su pasado y su presente estallan por los aires.

José María Mayorga

Abulense de nacimiento y sentimiento, y madrileño de adopción. Licenciado en Ciencias Políticas y en Publicidad, ha desarrollado toda su carrera profesional en agencias de publicidad nacionales y multinacionales en las que, primero como redactor, y después como director creativo y director creativo ejecutivo ha firmado importantes campañas publicitarias para grandes marcas. En la actualidad trabaja en Madrid en su propia agencia. Apasionado de la literatura y de la escritura, ha realizado diferentes cursos de cuento y novela en la Escuela de Escritores. Ha publicado dos libros infantiles: Mola tener cinco años y Bichos, amor y cosas, ha sido premiado en varios concursos de relato y Carapús es su primera novela. Muy pronto verá la luz la segunda.

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Presentación de Robinson en Venecia (ed. Sloper), de Javier Quevedo Arcos.
2025-02-13 19:00 - 22:00
Junto al autor presentara el libro el escritor David Torres Ruiz.

SINOPSIS:

Hay fantasías universales que todo el mundo comparte. La de romper con el pasado y empezar de cero, merced a un dinero imprevisto, es una de ellas. Por fortuna, las ataduras, impuestas o voluntarias, eximen a la mayoría del vértigo de intentarlo y comprender quizás que una existencia así está más cerca de lo que se imagina. Pero ¿qué sucede si a uno le han arrancado las ataduras, a su pesar y desde el principio? ¿Si se es náufrago de nacimiento, sin otra obligación en la vida que la de vivirla? Cambiar de ciudad, de país, de lengua, dejar atrás todo lo conocido, no sería entonces sino un naufragio más, tal vez una liberación.

Esta es la historia de un naufragio inverosímil, pero posible, en un lugar inverosímil, pero real. Su protagonista vivirá desde finales del pasado siglo hasta ahora mismo la vida de un robinsón en la única ciudad donde todavía es posible un náufrago: Venecia, una Venecia solitaria, donde el turismo es el ruido de fondo de la marea que nos aísla de la gente real con sus existencias ficticias. Una búsqueda de verdad en una ciudad de mentira.

«Uno podía ir a una guerra y combatir en primera línea, explorar polos, selvas o planetas, escalar los siete picos y regresar a tiempo para participar en una maratón, pero al final de todo ello, al final siempre, llegaría exactamente al mismo punto en el que me encontraba yo sin moverme, y como yo, diría: y ahora qué, mientras contemplaba cómo se deslizaba con lentitud de caracol la mancha de sol en la pared de enfrente».

Javier Quevedo Arcos

Javier Quevedo Arcos (Sevilla, 1957) estudió filosofía en la Universidad Autónoma de Madrid y trabajó de bibliotecario en Vallecas (Madrid). Ha publicado relatos en tres antologías colectivas (Segunda parábola de los talentos, 2011, Gens Editorial; Tres Rosas 3, 2012, Tres Rosas Amarillas; La carne despierta, 2013, Gens Editorial). En 2015 Pepitas de Calabaza publicó su primer libro de cuentos, Animales que no se pueden acariciar, ganador del XXI Premio Literario Café Bretón. En 2019 publicó junto con Javier Fernández Aparicio un libro de ensayos sobre literatura del Holocausto, La cultura del abismo: lecturas del Holocausto (Editorial Certeza-Riopriedas). En 2021 resultó ganador del V Premio Águilas de relato breve.

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Inauguración de la exposición #locosporlageometría, comisariada por Jesús Cámara.
2025-02-08 19:00 - 22:00
Los artistas invitados son: Pedro María Asensio, Roberto Chartam, Aurora Cid, Pablo Maojo y Antonio Rojas.

#locosporlageometría

La geometría es el lenguaje del Universo

Pitágoras

Las formas geométricas son absolutas, eternas y, filosóficamente, necesarias. Nos hacen dueños del espacio y señores del tiempo. En su quietud ensimismada encierran el principio y el fin del cosmos, desde el átomo primigenio hasta la última constelación. Están omnipresentes en el origen y en el destino de la vida.

Uno a veces piensa que la geometría es una suerte de constructo humano, gracias al cual obtenemos la sensación de haber racionalizado el infinito. La geometría mitiga ese vértigo ante el vacío; nos hace sentirnos cómodos en nuestra pequeñez. Y es que con la geometría el hombre juega un poco -y a su manera- a ser Dios, ordenando el caos, poniendo en su lugar a la materia y a la forma, y dando nombre a lo que de otro modo seguiría formando parte de lo inefable. Acariciando la perfección divina, con ella somos capaces de sublimar la belleza.

La geometría es un trascender la realidad que el hombre re-crea para sí con el fin de entenderla, y dominarla en un apasionante viaje desde la metafísica a la estética.

Tan antigua como la civilización, la geometría nació en Sumeria para posibilitar el nacimiento de una arquitectura monumental, en la Grecia clásica fue la garante de la belleza y la perfección, y para Roma resultó ser la mejor aliada de su ingeniería imperial. Y aunque nunca fue olvidada -¿cómo no pensar en las catedrales góticas?- , su redescubrimiento en el Renacimiento como base de la perspectiva, le dio un lugar en el arte que nunca perdió, hasta que con las Vanguardias viviera su consagración al pasar de técnica a tema, convirtiéndose en un género en sí misma.

Cuando la geometría como proceso de ordenación del espacio se traslada al centro de la creación artística, las esculturas, pinturas o dibujos que genera tienen un innegable poder de atracción: el que nos propone un reto intelectual en paralelo al goce estético. Quien interprete el arte geométrico como algo aséptico e inane, cae en el pecado del que juzga por las apariencias: entre líneas, polígonos y planos siempre bulle la emoción y el sentimiento, toda la fuerza de la creación voluntariamente contenida de la expresión plástica sometida adrede a la leyes de la ciencia. El resultado indefectiblemente provoca la reflexión, y muchas veces abre la puerta de la pasión. Una pasión que, sin perder nunca la formas, fácilmente deriva en locura.

Existen #locosporlageometría tanto entre los artistas como entre los amantes del arte. Para los que la padecen, y para los que no, esta exposición pretende ser un mínimo punto de luz, un humilde ojo de cerradura a través del que poder descubrir maravillas: Aurora Cid, Pablo Maojo, Pedro María Asensio, Roberto Chartam y Antonio Rojas forman un pentágono mágico en el que la geometría supera la técnica o el recurso artístico para convertirse, de frente, y por derecho, en lo único: el color, la forma y la materia, vienen luego y siempre a su servicio. Sus laberintos ordenados, sus formas puras, les hacen poseedores de la tercera dimensión; que sea un constructo o no, no es nuestro problema, ni el suyo tampoco.

Artistas Participantes:

Pedro María Asensio

Pedro María Asensio nace en Cuenca en 1950. El trabajo artístico de Asensio sigue desde muy temprano dos trayectorias que si bien parecen divergentes vienen a confluir en múltiples aspectos: una tendencia racionalista que enlaza con la búsqueda de la pureza de la Abstracción Geométrica y otra, más social y menos ensimismada, que tiene al ser humano y su circunstancia como objeto de expresión conceptual.

Roberto Chartam

Roberto Chartam, 1977. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y la Nuova Accademia di Belle Arti de Milán. Vive y trabaja en Navarrevisca (Ávila).

Su trabajo se centra en la línea, creando trayectorias que actúan sobre el espacio expositivo, que lo acotan, lo modifican, lo abrazan o compartimentan, pero manteniéndolo siempre incólume. Porque para Roberto el espacio no es un mero continente de sus obras, sino una parte fundamental de las mismas.

Ha intervenido espacios como el Palacio de Los Serrano (Ávila), el Centro de Arte Experimental (Salamanca), el Centro Dados Negros (Villanueva de los Infantes, Ciudad Real) o el Centro de Arte Tomás y Valiente (Fuenlabrada, Madrid). en 2024 obtuvo el Premio a la mejor exposiciçon en el Festival Art Bataillon que organiza White Lab.

Aurora Cid

La artista Aurora Cid nace en Córdoba, España. Ha expuesto de manera individual y colectiva en países como España, Bélgica, Alemania e Italia. Su obra forma parte del Museo Fundación Antonio Saura, Colección Jesús Bárcenas, J.C. de Castilla la Mancha, diversos ayuntamientos de Ciudad Real y Córdoba, obteniendo numerosos premios y menciones a lo largo de su carrera.

Pablo Maojo

Pablo Maojo, nacido en San Pedro de Ambás (Villaviciosa – Asturias) en 1961, es, en palabras de Ramón Rodríguez, «… un artista polivalente que cultiva desde la pintura a la escultura, pasando por el dibujo y el grabado, no estando ausente en su planteamiento de globalidad del arte la realización de instalaciones y llevándolo todo a cabo con un rigor y una seriedad que puede parecer contradictoria con su juventud». Entre otros premios destacan la Mención Especial del jurado en la II Bienal Nacional de Pintura La Carbonera en 1983, Premio Especial de la Juventud en el Concurso de Pintura de Luarca en 1985, Primer Premio en el Concurso de Pintura de Tazones y Accésit de Honor en el VIII Certamen de Pintura de Luarca en 1987 y becas «Ayuda a la Nueva Creación» del Centro de Escultura de Candás Museo Antón en 1990 y beca de La Casa Velázquez (Madrid) en 1992.

Antonio Rojas

Antonio Rojas (Tarifa, 1962). Realiza su primera exposición individual en el año 1983 en la Galería Magda Bellotti de Algeciras con quien se da a conocer en Madrid en las sucesivas ediciones de Arco. Desde el comienzo la crítica alude a cierto aspecto neometafísico y geométrico de su obra. Reside en Madrid desde el 1986 exponiendo en la mítica Galería de Fernando Vijande (1987) y realizando su primera muestra individual en la capital en la galería Montenegro (1988). Entre 1990 y 1993 reside en Londres y Roma becado por Delfina Studios Trust y la Academia de España en Roma, respectivamente. Expone habitualmente en la galería Antonio Machón de Madrid que le representa durante más de una década. Ha obtenido importantes premios y galardones durante toda su trayectoria artística como el Premio Juan Luis Vasallo de Bellas Artes. IV Edición Premios Cortes de Cádiz 2010. Ayuntamiento de Cádiz (Cádiz), el Premio Ángel de Pintura 2004 (Valencia), la Medalla de Oro de la 62ª Exposición Internacional de Valdepeñas, 2002(Valdepeñas, Ciudad Real), el Primer Premio del Certamen Nacional de Dibujo Gregorio Prieto 2002 (Valdepeñas, Ciudad Real) o la Beca de la Academia de España en Roma. Dirección General de Relaciones Culturales. Ministerio de Asuntos Exteriores de España, 1993-1994.

Comisario: Jesús Cámara, comisario.

-Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, 1979.

-Coordinador de exposiciones de la Subdirección General de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de 1981 a 1985 y del Centro Nacional de Exposiciones (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) hasta 1989.

-Director de exposiciones de AGA Comunicación y Mecenazgo de 1990 a 1992.

-Conservador de la Colección de pintura de la Unión Española de Explosivos (UEE), de 1995 a 2005.

-Director del Museo Salvador Victoria (Rubielos de Mora, Teruel) desde su inauguración en 2003 hasta el verano de 2010. Director del proyecto museológico y de la colección. Comisario de dieciocho exposiciones en la sala de exposiciones temporales del Museo .

-Patrono de la Fundación José Caballero-Thomás de Carranza, desde 2010 a 2014.

-Miembro del jurado de numerosos certámenes de arte contemporáneo.

-Profesor en cursos de Museología.

-Ha comisariado innumerables exposiciones y escrito presentaciones para catálogos de exposiciones individuales y colectivas de artistas.

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Presentación de Prolongada en el tiempo (Ed. Torremozas), de Concha Lagos.
2025-02-06 19:30 - 22:00
Presentarán el libro la escritora Juana Murillo y Marta Porpetta, editora.

SINOPSIS:

Prolongada en el tiempo es el segundo volumen de memorias de Concha Lagos. Si su primera parte, La madeja, nos propuso el relato de la vida intelectual del siglo xx y su participación en la misma de forma activa, Prolongada en el tiempo, redactado en 1988, se configura como la teoría poética de la autora. La reflexión sobre el acto poético, propio y ajeno, y el autorreconocimiento de una voz propia acerca a los lectores el trabajo poético de una autora prolífica y una gran gestora cultural a cargo de la editorial Ágora.

Concepción Gutiérrez Torrero

Concepción Gutiérrez Torrero (Córdoba, 1907-Madrid, 2007), conocida como Concha Lagos, fue unos de los grandes agentes culturales de nuestro siglo XX. Escritora, poeta y editora, fue además directora de la revista Cuadernos de Ágora y organizó la tertulia «Los Viernes de Ágora». De esta forma, se instituyó como uno de los principales pilares de la vida cultural y literaria de su época y recibió importantes reconocimientos por su labor. Entre los más destacados, se encuentran su nombramiento como académica correspondiente de la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba en 1961 y la concesión de la Medalla de Andalucía en 2002.

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Presentación de Niña de Invierno (Ed. Raíces), de Fabiola Fraile.
2025-01-31 19:00 - 22:00
Junto a la autora, presentará el libro el Diseñador Gráfico, Compositor y Dramaturgo, Jorge Redondo.

SINOPSIS:

Esta obra es la narración de momentos de una infancia en la que lo poético y lo pictórico se confunden, y en la que la tristeza y el colorido no se excluyen.

Fabiola Fraile

Fabiola Fraile, licenciada en Psicología y Criminología.

Ejercicio profesional como Orientadora Educativa en instituto público de la Comunidad de Madrid. Ha publicado: Películas para trabajar en el aula(2012), Educando con cine (2017), Azul, verde y a veces gris (2019), Cartas a nadie (2021), Diálogos de silencios (2021), El sendero de los versos perdidos (2023), Gotas de mar (2023), Niña de invierno (2024).

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Taller Abierto de Lectura en torno a Un momento de ternura y piedad (Ed. Reservoir Books), de Irene Cuevas.
2025-01-29 19:30 - 22:00
Junto a la autora moderarán el taller la escritora Lorena Briedis y Nora Sukía, librera de Cafebrería ad Hoc

SINOPSIS:

La asesina más tierna de la historia bebe leche con chocolate y toma galletas. Lo hace para no atragantarse con la madre que le ha tocado tener, una diva suicida en potencia. Después de muchas idas y venidas a hospitales la ha ingresado en una clínica psiquiátrica que paga con su peculiar trabajo: matar a abuelas, siempre por encargo de sus hijos varones. Pero todo cambia cuando se enamora de una de ellas.

En un equilibrio perfecto y original que mezcla el humor negro, la dulzura, el suspense y el drama, Un momento de ternura y de piedad es droga sin cortar para los corazones delicados.

La crítica ha dicho:

«Sorprende la originalidad de la escritura, sus diálogos llenos de humor negro, y que entre esa negritud destaque una muy especial y apasionada historia de amor. […] De momento, mi novela femenina favorita del año. Y la más inesperada».Pedro Almodóvar

«Irene Cuevas escribe con inteligencia, sensibilidad y humor, es decir, con absoluta brillantez. Sabe muy bien cuál es la gran disyuntiva de nuestras vidas: salvar o matar a nuestras madres. Es divertidísima: léanla».Mónica Ojeda

«Un thriller lleno de intriga y humor negro, la mezcla más mordaz de afecto y crueldad, rosa y oscuridad».

Mario Guerrero, Llegir.cat

«Desde los primeros caracteres te agarra del cuello y te arrastran de paseo. Así es la escritura de Irene, la que abre esa llaga. Un juego de espejos, una autopsia, un pulso cara a cara con algunas autoras que han escrito de manera tan salvaje como han vivido».Esther Ferrero, Efecto Doppler (Radio 3)

«Qué atrevimiento esta novela, qué fuerte. Un fanfic tiernísimo de escritoras que me hace morderme las uñas».Aida González Rossi

«Que al terminar la última página uno sienta una pena genuina ya dice mucho de una novela. Y es que Irene Cuevas ha creado a una antiheroína inolvidable. […] También su voz: irónica, descreída, cruda, manchada de humor negro y de ternura, repleta de reflexiones que llevan de la profundidad filosófica a la carcajada, un regalo para los lectores y amigos. Una pequeña y dura tragedia, magníficamente contada, que cierra con un epílogo luminoso y a todo color».Diana Oliver, El País

Irene Cuevas

Irene Cuevas nació en Madrid en 1991. Estudió Derecho y un máster en Estudios Literarios en la Universidad Complutense de Madrid y más adelante cursó el Máster de Narrativa de la Escuela de Escritores. Algunos de sus relatos han sido publicados en los libros colectivos Bajo treinta. Antología de nueva narrativa española (Salto de Página, 2013) y Segunda parábola de los talentos (Gens, 2011). También ha sido incluida en la revista literaria Cuentos para el andén.

En septiembre de 2012 y con motivo de las Olimpiadas Culturales celebradas en Inglaterra, fue becada para participar en el evento internacional WEYA (World Event of Young Artists) en la ciudad de Nottingham, donde expuso parte de sus trabajos y entró en contacto con artistas de todas las nacionalidades y disciplinas, dentro del programa Disorder. Actualmente es profesora de escritura creativa, relato y poesía. Algunas noches de luna llena se nombra hija apócrifa de Lucia Berlin y pincha música para corazones tiernos y desamparados. Es una yonki del amor y de la nostalgia. Un momento de ternura y de piedad (Reservoir Books, 2024) es su primera novela.

Inscripción: talleres@cafebreriaadhoc.com

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Presentación de Carne de Arena (Ed. Eolas), de Arantxa Rochet.
2025-01-25 19:00 - 22:00
Junto a la autora, presentará el libro Ferki López, profesor universitario de Lengua Castellana, investigador y codirector de Altavoz Cultural.

SINOPSIS ARGUMENTAL:

Los ocho cuentos que componen Carne de arena (un número que tiene que ver con lo infinito, con la repetición de ciclos), tocan temas tan universales como las relaciones entre padres e hijos o dentro de la pareja, el acoso escolar, la presión social frente a la estética o la destrucción del medio ambiente. Son relatos donde lo sobrenatural toca tierra para decirnos que lo ordinario puede dar más miedo que lo extraño.

En ellos, una madre entierra en las macetas los cigarros de su marido en un intento por limpiar aquello que no le gusta; una adolescente sale de casa en busca de su hermana cuando en la ciudad se ha desatado una epidemia que afecta solo a los jóvenes; una mujer le pide a su novio que se quite los huesos por la noche; una modelo e influencer de Instagram se despierta una mañana, tras un sueño intranquilo, convertida en una mujer con treinta kilos más de peso; una mujer anónima acude al médico por una dolencia que no puede explicar; un hombre, horriblemente deformado, experimenta con un niño para conseguir la cura de la enfermedad que ambos comparten; y una niña empieza a ser acosada en su colegio porque tiene un diente de color negro, un diente que, cada día, crece un poco más.

A través de estos relatos, que se mueven entre el terror fantástico, la ciencia ficción prospectiva y, a veces, una cierta hibridación de géneros, Carne de arena pretende hacer reflexionar sobre si es posible romper los círculos de la violencia, tanto intrafamiliar como social, o si somos capaces de aceptar quiénes somos y cuál es nuestra herencia como seres humanos. En este libro no hay monstruos más allá que los propios. La carne, nuestro cuerpo, es moldeable: puede convertirse en un terreno hostil para nosotros mismos y para los demás, o reafirmar nuestra identidad, por insólita o desagradable que sea.

Leer los relatos de Arantxa Rochet es dejarse arrastrar por una corriente oscura y cálida confiando en el disfrute del viaje. La autora mezcla con aparente sencillez los elementos más cotidianos para producir un sentimiento incómodo, un escalofrío en la parte trasera del cerebro. Como la Carne de arena. La carne es un elemento que todos conocemos, al igual que conocemos la arena. En su unión es donde nace lo impensable, lo fantástico.

Los ocho relatos del libro componen una inquietante colección con elementos tan inofensivos como pueden ser los cigarrillos, unos geranios, un diente, una bufanda, algunas pajitas de plástico, un viaje en metro o unos posts en redes sociales. Todo lo que encontréis en estas páginas os resultará conocido y, al mismo tiempo, os va a hablar de algo ignoto y oscuro. Rochet nos enseña lo cerca que estamos del borde del precipicio, lo fácil que es caer. Tan, tan cerca que, a veces, ese abismo está dentro de nosotros. Nos hace asomarnos con vértigo y no nos asegura que haya red de seguridad ni cuerda de salvamento, aunque, en este caso, no podréis dejar de mirar. Y merecerá la pena. Y volveréis a por más.

Arantxa Rochet

Arantxa Rochet es periodista por la UCM y Máster de Narrativa por la Escuela de Escritores de Madrid. Tiene publicado el libro de ciencia ficción Jaulas de aire (Torremozas, 2017) y ha participado en las colecciones de relato II Premio Ripley (Triskel, 2018), XXX Premio Ana María Matute (Torremozas, 2018) y Actos de F.E. (Cerbero, 2019), así como en la antología poética Voces Nuevas (Torremozas, 2024) y en el manual Escribir fantástico (Páginas de Espuma, 2024).

Además, ha publicado relatos en varias revistas literarias, entre ellas Temporales de Nueva York, La Gran Belleza y Cuentos para el Andén, y ha formado parte de la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid y del colectivo cultural La Gran Belleza.

Como periodista ha colaborado con reportajes o programas de cultura, viajes, ecología y economía en medios como Radio Nacional de España, Cambio 16, La Razón o NTR (México).

Desde 2021 trabaja impartiendo clases en la Escuela de Escritores, entre otras actividades.

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Taller Abierto de Lectura en torno a Caperucita en Manhattan (Ed. Siruela), de Carmen Martín Gaite.
2025-01-20 19:00 - 22:00
Modera el taller Lola Vivas, escritora y directora de Cafebrería ad Hoc.

SINOPSIS:

«Los cuentos tratan, claro, de las cosas y los seres reales, pero contarlos es acertar a dar a esas cosas y a esos seres la cualidad de lo imaginado. Eso quiso hacer Carmen Martín Gaite al escribir este cuento: llevarnos con su hija por los tejados del cielo. Y me atrevo a decir que en ese logro está la causa de su encanto imperecedero».GUSTAVO MARTÍN GARZO

Sara Allen es una niña de diez años que vive en Brooklyn, Nueva York. Su mayor deseo es ir sola a Manhattan para llevarle a su abuela una tarta de fresa. La excéntrica abuela de esta moderna Caperucita ha sido cantante de music-hall y se ha casado varias veces. El lobo es míster Woolf, un pastelero multimillonario que vive cerca de Central Park en un rascacielos con forma de tarta. Pero el hilo mágico de este relato se centra en miss Lunatic, una mendiga sin edad que vive de día oculta en la estatua de la Libertad y que sale de noche para ayudar a que las desgracias humanas sean menos y, si es necesario, regalar un elixir capaz de vencer al miedo.

Con maestría y frescura, Carmen Martín Gaite recrea y adapta este clásico de la literatura sobre la iniciación a la vida adulta, y sobre los peligros a los que tenemos que hacer frente con independencia y libertad.

Carmen Martín Gaite

Carmen Martín Gaite (Salamanca 1925-Madrid 2000), novelista, poeta, ensayista y traductora, publicó su primera novela El balneario en 1955 y es una de las más destacadas representantes de la generación de la posguerra. De sus libros hay que destacar Entre visillos (Premio Nadal 1958), Ritmo lento (1963), El cuarto de atrás (1978), El cuento de nunca acabar (1983), Usos amorosos de la postguerra española (Premio Anagrama de Ensayo 1987), Nubosidad variable (1992), Lo raro es vivir (1996) o Irse de casa (1998).Carmen Martín Gaite ha recibido también los premios Príncipe de Asturias 1988 y el Nacional de las Letras Españolas 1994.

Inscripción: talleres@cafebreriaadhoc.com

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Pintura y cerámica: cuatro ejemplos. Mesa redonda en torno a la exposición colectiva de arte Las Moradas de Arcilla, comisariada por Juan Manuel Bonet integrada por los artistas: Eduardo Barco, Miguel Galano, Ruth Morán y Luis Palmero.
2025-01-17 19:00 - 22:00
Participan en la mesa el artista Eduardo Barco, Juan Manuel Bonet y Enrique Andrés Ruiz, crítico de arte y poeta.

LAS MORADAS DE ARCILLA:

La primera cerámica de autor que tuve en mis manos creo que fue de Francine Delpierre, amiga de mis padres, como lo era de Sergio de Castro y de Julio Cortázar. Más tarde, he acariciado otras de Josep Llorens Artigas, al que mi madre expuso en Ponce, y del que Pierrette Gargallo poseía cosas preciosas (algunas, en colaboración conMarquet), y de Antoni Cumella, estas en las respectivas casas de Dolores Catarineu, y de Francisco Capuleto. Pienso en la arcilla, y pienso en piezas como las que acabo de evocar, y en otras de valencianos como Alfons Blat, Arcadio Blasco, Enric Mestre o Miquel Navarro, o en las incursiones en este campo de Fontana, Leoncillo, Asger Jorn, Tàpies, Chillida, o Miquel Barceló.

Creciente es el interés por la arcilla de nuestros artistas de hoy, que cada vez más trabajan en esta senda. Por eso, cuando hace unos meses Lola Vivas me habló de comisariar una muestra en Cafebrería ad Hoc, a bote pronto le dije que sí, y le propuse que fuera de cuatro pintores-ceramistas. Tras barajar otras opciones, la he titulado Las moradas de arcilla. Un título que encuentro que suena a libro vanguardista uruguayo o peruano.

Googleando para saber si no existía ya, sólo he encontrado que, en 2002, cuando expusieron en el IVAM a Charles Simonds, consideraron sus trabajos como “moradas de arcilla”. Por lo que al final Lola ha recurrido, para el cartel de la muestra, a la fotografía de una de las instalaciones del norteamericano, cuya obra ya me interesaba cuando yo era un teenager.

El primero de los cuatro al que vi trabajando el barro es el ciudadrealeño Eduardo Barco. Hace ya unos años, me enseñó algo de lo que estaba haciendo, muy cerca de casa y de la propia Cafebrería, en la Escuela de Cerámica, que está en el entorno de San Antonio de la Florida. Barco es un creador multifacético. Pinta cuadros de una geometría compatible con el organicismo, crea piezas tridimensionales, es un consumado dibujante… Su curiosidad es inmensa, tanto respecto del arte del pasado, como del contemporáneo. En las tres piezas que he elegido en su estudio de Carabanchel, se manifiesta como un heredero de ciertos constructivismos thirties, tipo Abstraction-Création, y como hermano de colegas europeos como Helmut Federle o Ernst Caramelle.

Por lo que se refiere a Miguel Galano, al que he dedicado una de las pocas monografías que he dedicado a un pintor, su modo tan suyo de decir el mundo, ya sea su Asturias natal, Lisboa, París, o algunas ciudades del Norte y Este de Europa, lo ha trasladado a unas plaquitas blancas, esenciales, al borde de la pura nada, que hasta ahora sólo ha enseñado en su tierra, con lo que las tres que he seleccionado aquí constituyen una primicia para el espectador madrileño. Me emocionan las tres: una de sus características casas del Occidente asturiano, unas farolas parisienses, y una geométrica fachada de la calle Slawkowska, en mi querida Cracovia.

Luis Palmero, tan estrechamente ligado al anterior, con el que en 2019 realizó una muestra conjunta (De mar a mar) en Las Palmas, en la galería de Manuel Ojeda, acompañada de una carpeta en que además de ellos dos colaboramos Andrés Sánchez Robayna y el firmante de estas líneas), fue el tercero en aparecérseme como ceramista. Desde su Tenerife natal, desde su metafísica ciudad de La Laguna, desde su luminoso estudio, dice, también con este medio, sus arquitecturas populares inspiradas en las que pintaba el grancanario José Jorge Oramas, su mar, sus geometrías sensibles, su minimalismo ídem…

Y Ruth Morán, badajozeña hoy residente en Sevilla. Tras detectar su nombre, antes de conocerla en persona, en diversos certámenes del Sur, la primera individual suya que vi fue la que en 2015 presentó en la galería que tenía entonces Natalia Gomendio en Neuilly. La pintora siempre ha demostrado tener una gran capacidad para sacar, como decía el poeta, “de la sombra lumbre”; y para tejer, en el negro, unas redes luminosas, unos enjambres de líneas que nos hacen pensar en lo mejor de una cierta herencia de las modalidades más líricas y temblorosas de la abstracción. Es, de los cuatro, la que más se atiene al canon de la cerámica, aunque luego sea capaz de reventarlo en la pieza de mayor formato de las tres, integrada por una estructura de repetición de tubos, hermana de otra que acaba de adquirir el Museo de Arte de Santander.

Enrique Andrés Ruíz

Enrique Andrés Ruiz (Soria, 1961) es un poeta y ensayista singular, con un don especial para desmontar las convenciones y los lugares comunes de nuestra cultura. Sus últimos poemarios publicados son Los verdaderos domingos de la vida (2017) y Ríos de Babilonia (2021).

Entre sus ensayos se encuentran Vida de la pintura (2001), La tristeza del mundo. Sobre la experiencia política de leer (2010) y La carroña. Ensayo sobre lo que se pierde (2017), así como Las dos hermanas. Antología de la poesía española e hispanoamericana del siglo xx sobre pintura (2011). Ha comisariado numerosas exposiciones de arte contemporáneo y colabora asiduamente en Babelia, el suplemento cultural del diario El País. En 2021 Periférica publicó su novela Los montes antiguos, libro en metamorfosis desde hacía más de diez años, en el que cobra una excepcional calidad literaria la memoria humana del paisaje.

Eduardo Barco

Eduardo Barco es Licenciado en Bellas Artes. Obtiene en su periodo de formación becas en Holanda, Francia y EEUU. Expone regularmente desde mediados de los noventa y ha expuesto en algunos de los centros de arte más activos de la geografía española. Su trabajo profundiza sobre el conocimiento de la realidad en forma de experiencia plástica. Sus investigaciones han ido desplazándose desde el plano de la pintura, con una concepción espacial abierta y generadora de planos de color hasta trabajos arquitectónicos y objetuales, muy cerca de la escenografía.

Mantiene desde el inicio unos esquemas constructivos que varía y permuta, añadiendo su particular sentido del espacio y de color y manejando un ideario altamente estimativo del orden.

Colabora con estudios de arquitectura, y mantiene su investigación personal de forma simultánea en múltiples apartados como el mobiliario doméstico y urbano, intervenciones en espacios, grabado, pintura, dibujo, escultura….»pensamientos lineales» es su primera obra literaria publicada. Compagina su trabajo personal con la docencia en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Es habitual su presencia en ferias como ARCO. Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas dentro y fuera de España como la Colección Banco de España, Colección Caja Burgos, Colección Unión Fenosa, Colección Iberdrola, Colección Caja Madrid, Colección AENA, Colección L`Oreal, Colección Helga de Alvear, Museo Municipal de Madrid, Colección Norte de Arte Contemporáneo, Colección UNED, ayuntamiento de Pamplona, entre otras.

Juan Manuel Bonet

Juan Manuel Bonet (París, 1953) es escritor y crítico de arte. Ha dirigido el IVAM, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Instituto Cervantes. Preside la Fundación Archivo Rafael Cansinos Assens, el Comité Internacional de la Fundación Vicente Huidobro y el patronato del Museo ABC. Autor de libros de poemas; del dietario La ronda de los días; y de un Diccionario de las vanguardias en España (1907-1936).

Ha comisariado exposiciones sobre la pintura de los poetas, el ultraísmo, Revista de Occidente, el surrealismo, el constructivismo polaco, la vanguardia argentina, el exilio republicano español o la generación de los ochenta. También retrospectivas de Tarsila do Amaral, Helmut Federle, Eugenio Fernández Granell, Ramón Gaya, Juan Gris, Guerrero, Alex Katz, Millares, Morandi, Picasso, Xavier Valls, Cristino de Vera o Esteban Vicente. Y muestras sobre fotógrafos (José Manuel Ballester, Català-Roca, Jesse Fernández, Gisèle Freund, Bernard Plossu, Leopoldo Pomés, Sudek…); escritores (Alberti, Max Aub, Cortázar, Ramón Gómez de la Serna, Michaux, Carlos Edmundo de Ory, Tadeuz Peiper…); o compositores (Morton Feldman).

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Presentación de Nuevo Kafkarama (Ed. del Subsuelo), de José Carlos Rodrigo Breto.
2025-01-09 19:00 - 22:00
Junto al autor presentará el libro Juan Laborda Barceló, escritor, crítico literario y profesor.

SINOPSIS:

Una novela que homenajea y conmemora el centenario de la muerte del autor que hizo de su literatura una forma de vida y de su vida una manera de hacer literatura.

Otra perspectiva de Kafka, pero también de la Praga eterna, literaria e inmemorial.

Los tiempos de Kafka vienen marcados por el inicio del siglo xx y su trágico desarrollo. En esa época tan compleja y cruel, un hombre de Praga intentó escribir, lo consiguió -en una lucha contra todos y contra sí mismo-, y además lo hizo de una forma que cambió la literatura para siempre. Nuevo Kafkarama aborda esos momentos trascendentales: los acontecimientos cruciales de la vida de Franz Kafka, sus amigos, sus reuniones en salones literarios y en cafés, cómo lo afectó la Gran Guerra, el diagnóstico de su enfermedad, su deterioro y su muerte, su amor por Dora Diamant. Por la novela desfilan otros muchos personajes de un tiempo violento, cruel, esotérico y supersticioso.

José Carlos Rodrigo Breto

José Carlos Rodrigo Breto (Madrid, 1967) es licenciado en Periodismo, Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, y doctor en Estudios Literarios. Autor de las novelas Noche y Niebla, Los pequeños caballos azules, El vaso Canope, Kafkarama y Casillero del diablo, en Ediciones del Subsuelo ha publicado los ensayos Ismaíl Kadaré: la Gran Estratagema (2018), Mircea Cărtărescu. El hacedor de insomnios (2023) y la novela Ficción Gramatical (2020).

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Presentación de Las pandemias (Ed. Catarata), de Fernando Valladares.
2024-12-19 19:00 - 22:00
Intervendrá en la presentación junto al autor Margarita del Val, viróloga e inmunóloga de Investigación del Centro de Biología Molecular Severo Ochoa del CSIC.

SINOPSIS:

Lejos le queda a la humanidad la sensatez para autolimitarse en un planeta finito. Habiendo acabado con una buena parte de los predadores y, por supuesto, con los competidores más directos, al Homo sapiens del siglo XXI solo le frenan las pandemias, el cambio climático y la degradación ambiental que él mismo crea. La covid-19 ha sido la primera pandemia del siglo XXI y, por desgracia, no será la última. Rompiendo los equilibrios ecológicos, manipulando especies, alterando la biodiversidad y fragmentando y degradando ecosistemas estamos incrementando rápidamente el riesgo de zoonosis, es decir, de saltos de patógenos animales al ser humano y por tanto de pandemias. El cambio climático amplifica la mitad de las infecciones peligrosas para los humanos, al igual que diversas actividades económicas, que aumentan los brotes epidémicos. La historia de las pandemias nos permite aceptarlas, la medicina atenuarlas, pero solo aliándonos con la ecología y la evolución llegaremos a prevenirlas. Sabemos las ventajas de coexistir con los demás seres vivos y sabemos cómo hacerlo. Quizá ha llegado el momento de proponérselo en serio.

Fernando Valladares

Doctor en Biología, investigador del Consejo Superior de Investigaciones Científicas y profesor de Ecología en la Universidad Rey Juan Carlos. Es un científico altamente citado, con numerosas investigaciones sobre el papel de la biodiversidad y los impactos del cambio climático y de la actividad humana en los ecosistemas. Es autor de más de 300 artículos científicos sobre adaptaciones de plantas y ecosistemas al cambio global. Ha sido galardonado con el Premio Rey Jaime I de Protección del Medio Ambiente, el Premio de la Fundación BBVA a la conservación de la biodiversidad y la Medalla de Oro de la Cruz Roja por su compromiso ecosocial. Su labor de investigación la complementa con una intensa labor de divulgación dentro de su proyecto “La salud de la humanidad”. Ha publicado La salud planetaria en esta misma colección (2022).

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2024-12-16 19:00 - 2025-01-06 22:00
¡La mejor combinación para tu regalo esta Navidad!

Estas Navidades puede hacer un regalo súper especial: una combinación de literatura+visita al teatro de la Abadía. Por la compra de uno de los siguientes libros en Cafebrería Ad Hoc, obtendrás un descuento del 20% en la entrada de la función que elijas en el Teatro de La Abadía. Toma nota de los autores y títulos y ¡lee disfrutando del teatro!

Un libro de CARMEN MARTIN GAITE y hasta dos entradas para el espectáculo Caperucita en Manhattan o El cuarto de atrás.

Un libro de CARMEN CONDE y El sillón K.

Un libro de HAROLD PINTER y Viejos tiempos.

Un libro de ESQUILO y Orestíada.

¿No te parece un regalo maravilloso?

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Presentación de la nueva edición del poemario La sed (Ed. Tigres de papel), de Ada Salas.
2024-12-13 19:00 - 22:00
Junto a la autora, presentarán el libro Pilar Martín Gila, autora del prólogo e Isabel Navarro, presidenta de la Asociación Genialogías de mujeres poetas.

SINOPSIS:

Genialogías recupera en 2024 La sed, el tercer título de la poeta Ada Salas (Cáceres, 1965), publicado originalmente en 1997. Un libro de concisión reflexiva y minimalista en el que asistimos a ese roce casi invisible del tiempo «que hiere la memoria», como dice Pilar Martín Gila en el prólogo, donde «la palabra aparece como materia ella misma, en sus dimensiones cognitivas y sensoriales, un acto de entrega que volverá, en retorno, a encarnarse en la lectura entendida como préstamo de la voz del otro».

Ada Salas

Ada Salas nació en Cáceres en 1965. Estudió Filología Hispánica en La Universidad de Extremadura, donde tuvo una beca de investigación. Además de a la escritura de poesía y ensayo, se ha dedicado a la docencia en Institutos de Enseñanza Secundaria.

Ha publicado los siguientes libros de poesía: Arte y memoria del inocente (1988, Universidad de Extremadura, Premio “Juan Manuel Rozas”) Variaciones en blanco (1994, Hiperión, Premio “Hiperión”) La sed (1997, Hiperión) Noticia de la luz (2003, Escuela de arte de Mérida), Lugar de la derrota (2003, Hiperión), Esto no es el silencio (2008, Hiperión, Premio “Ciudad de Córdoba”), No duerme el animal (2009, Hiperión), que recoge la casi totalidad de su obra hasta ese momento, Limbo y otros poemas (Pre-Textos, 2013) y Descendimiento (Pre-Textos, 2018).

En colaboración con el fotógrafo Tete Alejandre ha publicado Reflejos (2006), y son fruto de su trabajo en común con el pintor pintor Jesús Placencia los títulos Ashes to Ashes (Editora Regional de Extremadura, 2011) y Diez Mandamientos (La Oficina ediciones, 2016). En 2021 apareció Criba, que reúne poemas de la autora con obra gráfica de Laura Lio (Pezplata ediciones, 2021).

En 2016 la editorial Fondo de Cultura Económica sacó a la luz la antología Escribir y borrar, que incluye también una selección de su obra ensayística, entre la que cabe destacar: el libro de prosas acerca de la escritura poética Alguien aquí (Hiperión, 2005, El margen, el error, la tachadura (de la metáfora y otros asuntos más o menos poéticos) (Diputación de Badajoz, Premio de ensayo “Fernando Pérez”, 2011), y Lengua del alma (“Poética y Poesía”, Fundación Juan March, 1919).

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Presentación de El paraíso de los inocentes (Ed. Adeshoras), de Antón Riveiro Coello, XXXI Premio Torrente Ballester de Narrativa.
2024-12-12 19:00 - 22:00
Acompañará al autor en la presentación el profesor y escritor Diego Bernal.

SINOPSIS:

Cuando en marzo de 2016 se produce el atentado yihadista de Zaventem, en el que mueren más de treinta personas, Helena, una estudiante portuguesa, se salva porque un tabique la protege de la explosión; Amira, una activista siria que vive en el barrio Este de Alepo, visita a un huérfano rescatado bajo los escombros; Alicia, en su apartamento de Bruselas, se pregunta por qué su pareja tarda tanto en llegar a casa y también por qué guarda grandes sumas de dinero en lo alto del armario; Isam, un químico que trabaja en una fábrica de jabón en el barrio Oeste de Alepo, teme la notificación del ejército para ingresar en sus filas y verse obligado a luchar en la guerra; y Alfredo, un escritor en la cincuentena, lee con pasión en un hotel de Oporto, horas después de haber dejado a su hijo en el aeropuerto luso con destino a Bruselas.

El paraíso de los inocentes parte de la intensidad de estas cinco historias, aparentemente independientes, que acaban convergiendo y describen un viaje contemporáneo, no solo sobre la destrucción del conflicto sirio y la tragedia humanitaria de los refugiados que buscan un nuevo paraíso en Europa, sino también como un canto emocionado a la solidaridad, la esperanza y la libertad.

Esta novela, merecedora del XXXI Premio Torrente Ballester de Narrativa en gallego en 2019, está escrita desde el interior de personajes que atraviesan el horror con los ojos abiertos y buscan un exorcismo, bien en la lucha, el exilio, el compromiso solidario o la literatura, como intento desesperado de ajustar todo el dolor a la expectativa de una reconstrucción.

Antón Riveiro Coello

(Xinzo de Limia,1964) es uno de los escritores más premiados y prestigiosos de los surgidos en los últimos años en la literatura gallega. Autor de más de una docena de libros de éxito como A quinta de Saler, Animalia, Homónima, Casas Baratas, A esfinxe de amaranto o Os ollos de K, entre otros, ha logrado, con sucesivas reediciones de sus obras, la fidelidad de miles de lectores que sitúan a Los hijos de Bakunin (XII Premio Manuel García Barros) en el lugar privilegiado de las grandes novelas de la literatura gallega.

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Presentación de ¿Será esto la libertad? Memorias de una jueza en La Habana (Esstudio Ediciones), de Laura Valenzuela.
2024-12-11 19:00 - 22:00
Presentará el libro junto a la autora la escritora Gabriela Guerra.

SINOPSIS:

Adoctrinada desde la cuna, a los 7 años Yumi ya era una fiel defensora de la Revolución cubana. Con los años fue bañándose de realidad y enfrentando, con esa rebeldía tan suya, las injusticias del sistema. Aquella revolución que se vistió al mundo como un gobierno social perfecto fue la misma que la obligó a ejercer como jueza con tan solo 23 años, a participar en actos de repudio contra disidentes, a sufrir detenciones ilegales, y a callar.

Múltiples sucesos históricos acontecidos en Cuba entre los años 90 y los 2000 son contados en estas memorias desde la perspectiva de una cubana de a pie, que no es hija de famosos, de deportistas de élite, o de dirigentes políticos del gobierno.

Se trata de una historia real cargada de verdades que astillan la piel, escenas asfixiantes, culpa, hipocresía y decepción, donde no falta ese toque de humor que hace, hay que decirlo, únicos a los cubanos.

*A fin de proteger la identidad de personas que actualmente se encuentran en riesgo de sufrir represalias, se han empleado nombres ficticios para muchos de sus personajes.

Laura Valenzuela

Laura Valenzuela (La Haba-na, 1982), se licenció en derecho por la Universidad de La Habana y ejerció como juez Profesicia de Cuba durante 3 años. Actualmente reside en España donde practica la abogacía con una destacada trayectoria profesional. Aunque Laura ha pasado gran parte de su vida escribiendo, en servilletas, en papeles viejos, en pupitres, es con estas memorias que ha decidido realizar su primera publicación. El humor, mayormente irónico, siempre acompaña a su bolígrafo, porque como decía Oscar Wilde: «la vida es demasiado importante como para tomársela en serio».

Laura no sabe si después de esta publicación podrá regresar a su país de origen, algo que le desgarra el alma, pero asume este riesgo porque debe cumplir una promesa: la de no olvidarse de sus presos políticos, los que hablaron por ella.

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Mesa Redonda con autores y traductores de la editorial Funambulista en su 20 Aniversario y presentación de la última novedad La vida alegre, de Luc Ferry.
2024-12-10 19:00 - 22:00
Participan en la mesa: Fernando Parra, Eva Losada, Javier Ruiz, Bernardo Muñoz Carvajal, Juan Ramón Martín, Belén Quesada y Paloma Díaz. Moderará el editor Max Lacruz.

La vida feliz.

Traducción de Miriam Herrera Jiménez y Max Lacruz

«Cada vez son más los científicos que nos prometen que la revolución de la longevidad llegará mañana, que nuestros nietos podrán vivir ciento cincuenta años o más, aún jóvenes y con buena salud física y mental. Este libro hace balance de estas investigaciones, separa la ciencia de la fantasía y plantea la pregunta fundamental: ¿por qué vivir tanto? Este es el tema principal de este libro, que, ante esta pregunta, examina las dos concepciones existentes pero opuestas de una vida feliz. La primera, que procede de los siglos pasados y que la psicología positiva ha vuelto a poner de moda, nos invita a decir «sí a la realidad», a resignarnos al orden natural de las cosas para aceptar con serenidad la vejez y la muerte. En cambio, las filosofías modernas abogan por una espiritualidad completamente distinta: la prolongación de la vida con buena salud podría ofrecer a la humanidad la oportunidad de ser por fin menos estrecha de miras, menos violenta y, por qué no, más sabia que en el siglo XX».

«Me parece genial llegar a vivir 300 años, hay tantas mujeres que amar, hay tantos libros que leer».Luc Ferry

Luc Ferry

Luc Ferry (Colombes, Francia, 1951) es un filósofo, ensayista y político francés. Doctor en Ciencias Políticas y profesor de Filosofía y Ciencias Políticas, ha sido investigador asociado en el Centro Nacional para la Investigación Científica de Francia. Desde 2002 hasta 2004, fue ministro de Juventud, Educación Nacional e Investigación antes de ser nombrado miembro del Comité Consultivo Nacional de Ética en 2009 por el presidente Nicolas Sarkozy.

Considerado como uno de los filósofos más destacados de Francia, Luc Ferry, a partir de las críticas al movimiento de Mayo de 68, desarrolló una original filosofía política liberal, centrada en particular en la ecología, la tecnología, la familia y la ética y en contra de los movimientos radicales.Es autor de más de treinta libros, muchos de ellos traducidos a diversos idiomas, entre los cuales: El hombre-Dios o el sentido de la vida (Tusquets, 1997); Aprender a vivir: filosofía para mentes jóvenes (Taurus, 2007); La tentación del cristianismo: de secta a civilización (Paidós, 2010); La revolución transhumanista: cómo la tecnomedicina y la uberización del mundo van a transformar nuestras vidas (Alianza, 2017).

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Taller abierto de lectura en torno al libro Nada más ilusorio (Ed. Lumen), de Marta Pérez Carbonell.
2024-12-04 19:00 - 22:00
Moderará el taller Amalia Cáceres, librera de Cafebrería ad Hoc.

SINOPSIS

Una novela sobre el peligroso poder de contar historias.

Un fenómeno literario imparable vendido en ocho países antes de su publicación.

«Una aventura inesperada. Una sutil telaraña de historias y palabras que fascina y envuelve, que te atrapa inadvertidamente, como le ocurre al niño que escucha boquiabierto un bello cuento. Un debut poderoso e inolvidable«. Rosa Montero

«Uno sale de su casa, cuenta historias, ríe y descorcha botellas de vino con quien accede a acompañarle. Así pasan los días, hasta que vemos nuestro reflejo en otros ojos. Las miradas de los demás son espejos que no cabe desestimar«.

En un viaje nocturno en tren entre Londres y Edimburgo una mujer comparte trayecto con dos desconocidos con los que mantiene una conversación sobre sus respectivas vidas. Uno de ellos habla de su ambigua relación con un joven que le confesó una infancia difícil que marcó su vida.

Poco tiempo despues el hombre escribió una novela que se parecía demasiado a ese episodio. ¿Es ético escribir sobre lo que nos cuentan en privado? ¿Cuáles son los límites de la ficción? Esta historia cautiva a la protagonista y aviva sus propios recuerdos, así como la necesidad de saber que pasó realmente con estos dos desconocidos.

Amalia Cáceres

Amalia Cáceres es graduada en Filosofía y en Literatura General y Comparada por la Universidad Complutense de Madrid. Cursó además el Máster en Estudios Literarios, en la misma universidad, en el que se especializó en teoría de la novela y sociocrítica de la literatura. Es librera desde hace varios años y ha participado en otras iniciativas por el fomento de la lectura, siempre como asistente en otros clubs de lectura.

También formada como docente, ha realizado talleres de escritura creativa y lectura en institutos públicos.

Inscripción: talleres@cafebreriaadhoc.com

Precio: 5€ a descontar en la compra del libro en Cafebrería ad Hoc.

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Inauguración de la exposición colectiva de arte Las moradas de arcilla, comisariada por Juan Manuel Bonet.
2024-11-30 19:00 - 22:00
Los artistas invitados a la muestra son: Eduardo Barco, Miguel Galano, Ruth Morán y Luis Palmero.

LAS MORADAS DE ARCILLA:

La primera cerámica de autor que tuve en mis manos creo que fue de Francine Delpierre, amiga de mis padres, como lo era de Sergio de Castro y de Julio Cortázar. Más tarde, he acariciado otras de Josep Llorens Artigas, al que mi madre expuso en Ponce, y del que Pierrette Gargallo poseía cosas preciosas (algunas, en colaboración conMarquet), y de Antoni Cumella, estas en las respectivas casas de Dolores Catarineu, y de Francisco Capuleto. Pienso en la arcilla, y pienso en piezas como las que acabo de evocar, y en otras de valencianos como Alfons Blat, Arcadio Blasco, Enric Mestre o Miquel Navarro, o en las incursiones en este campo de Fontana, Leoncillo, Asger Jorn, Tàpies, Chillida, o Miquel Barceló.

Creciente es el interés por la arcilla de nuestros artistas de hoy, que cada vez más trabajan en esta senda. Por eso, cuando hace unos meses Lola Vivas me habló de comisariar una muestra en Cafebrería ad Hoc, a bote pronto le dije que sí, y le propuse que fuera de cuatro pintores-ceramistas. Tras barajar otras opciones, la he titulado Las moradas de arcilla. Un título que encuentro que suena a libro vanguardista uruguayo o peruano.

Googleando para saber si no existía ya, sólo he encontrado que, en 2002, cuando expusieron en el IVAM a Charles Simonds, consideraron sus trabajos como “moradas de arcilla”. Por lo que al final Lola ha recurrido, para el cartel de la muestra, a la fotografía de una de las instalaciones del norteamericano, cuya obra ya me interesaba cuando yo era un teenager.

El primero de los cuatro al que vi trabajando el barro es el ciudadrealeño Eduardo Barco. Hace ya unos años, me enseñó algo de lo que estaba haciendo, muy cerca de casa y de la propia Cafebrería, en la Escuela de Cerámica, que está en el entorno de San Antonio de la Florida. Barco es un creador multifacético. Pinta cuadros de una geometría compatible con el organicismo, crea piezas tridimensionales, es un consumado dibujante… Su curiosidad es inmensa, tanto respecto del arte del pasado, como del contemporáneo. En las tres piezas que he elegido en su estudio de Carabanchel, se manifiesta como un heredero de ciertos constructivismos thirties, tipo Abstraction-Création, y como hermano de colegas europeos como Helmut Federle o Ernst Caramelle.

Por lo que se refiere a Miguel Galano, al que he dedicado una de las pocas monografías que he dedicado a un pintor, su modo tan suyo de decir el mundo, ya sea su Asturias natal, Lisboa, París, o algunas ciudades del Norte y Este de Europa, lo ha trasladado a unas plaquitas blancas, esenciales, al borde de la pura nada, que hasta ahora sólo ha enseñado en su tierra, con lo que las tres que he seleccionado aquí constituyen una primicia para el espectador madrileño. Me emocionan las tres: una de sus características casas del Occidente asturiano, unas farolas parisienses, y una geométrica fachada de la calle Slawkowska, en mi querida Cracovia.

Luis Palmero, tan estrechamente ligado al anterior, con el que en 2019 realizó una muestra conjunta (De mar a mar) en Las Palmas, en la galería de Manuel Ojeda, acompañada de una carpeta en que además de ellos dos colaboramos Andrés Sánchez Robayna y el firmante de estas líneas), fue el tercero en aparecérseme como ceramista. Desde su Tenerife natal, desde su metafísica ciudad de La Laguna, desde su luminoso estudio, dice, también con este medio, sus arquitecturas populares inspiradas en las que pintaba el grancanario José Jorge Oramas, su mar, sus geometrías sensibles, su minimalismo ídem…

Y Ruth Morán, badajozeña hoy residente en Sevilla. Tras detectar su nombre, antes de conocerla en persona, en diversos certámenes del Sur, la primera individual suya que vi fue la que en 2015 presentó en la galería que tenía entonces Natalia Gomendio en Neuilly. La pintora siempre ha demostrado tener una gran capacidad para sacar, como decía el poeta, “de la sombra lumbre”; y para tejer, en el negro, unas redes luminosas, unos enjambres de líneas que nos hacen pensar en lo mejor de una cierta herencia de las modalidades más líricas y temblorosas de la abstracción. Es, de los cuatro, la que más se atiene al canon de la cerámica, aunque luego sea capaz de reventarlo en la pieza de mayor formato de las tres, integrada por una estructura de repetición de tubos, hermana de otra que acaba de adquirir el Museo de Arte de Santander.

Artistas Participantes:

Eduardo Barco

Eduardo Barco es Licenciado en Bellas Artes. Obtiene en su periodo de formación becas en Holanda, Francia y EEUU. Expone regularmente desde mediados de los noventa y ha expuesto en algunos de los centros de arte más activos de la geografía española. Su trabajo profundiza sobre el conocimiento de la realidad en forma de experiencia plástica. Sus investigaciones han ido desplazándose desde el plano de la pintura, con una concepción espacial abierta y generadora de planos de color hasta trabajos arquitectónicos y objetuales, muy cerca de la escenografía.

Mantiene desde el inicio unos esquemas constructivos que varía y permuta, añadiendo su particular sentido del espacio y de color y manejando un ideario altamente estimativo del orden.

Colabora con estudios de arquitectura, y mantiene su investigación personal de forma simultánea en múltiples apartados como el mobiliario doméstico y urbano, intervenciones en espacios, grabado, pintura, dibujo, escultura….»pensamientos lineales» es su primera obra literaria publicada. Compagina su trabajo personal con la docencia en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Es habitual su presencia en ferias como ARCO. Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas dentro y fuera de España como la Colección Banco de España, Colección Caja Burgos, Colección Unión Fenosa, Colección Iberdrola, Colección Caja Madrid, Colección AENA, Colección L`Oreal, Colección Helga de Alvear, Museo Municipal de Madrid, Colección Norte de Arte Contemporáneo, Colección UNED, ayuntamiento de Pamplona, entre otras.

Miguel Galano

Tapia de Casariego, Asturias, (1956). Ha expuesto individualmente en París, Estocolmo, Lisboa, Madrid, Barcelona, Sevilla, Oviedo o Bilbao. Beca para Artistas Jóvenes del Ministerio de Cultura (1980) o Endesa para Artes Plásticas (1995). Primeros premios en la IV Bienal de Pintura Ciudad de Estella-Lizarra (1999) o Fundación Focus-Abengoa, Sevilla (2011). Su obra forma parte de la Colección Fernando Masaveu, Colección Plácido Arango, Archives Nationales de Francia o la Fundación Princesa de Asturias.

Ruth Morán

Ruth Morán (Badajoz, 1976)Trabaja y reside en Sevilla.La artista trabaja desde la convicción de que su labor creativa y el oficio del pintor, se sustentan sobre una actitud intelectual y una función de investigación. Sus inicios como creadora parten de una reflexión sobre el paisaje y su abstracción de dibujos construidos a partir de grafismos automáticos, caligrafías lineales y pinturas procesuales. Los medios empleados con los óleos en tela, de gran y pequeño formato, los papeles y las cerámicas. Son piezas que reflexionan sobre el espacio, a partir de materiales y signos, como un modo de conocimiento y exploración interior.

En su último y actual periodo, Ruth Morán propone la interacción de diferentes disciplinas artísticas, como son la pintura y la escultura cerámica en el espacio. Son obras que ponen su atención en los materiales, engobes y esmaltes, combinados con pinturas de gran formato en tela. Sus últimas investigaciones en este sentido han sido protagonistas de su proyecto Algo con barro, y ahora Invadir el espacio, jugar en el tiempo donde se muestran sus pinturas y cerámicas.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, ha realizado diversos talleres de formación en Andalucía. Ha sido becada en la Real Academia de España en Roma, Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en París, Casa Velázquez en Madrid o la Ayuda para Artistas Plásticos de la Junta de Extremadura. Ha realizado exposiciones individuales, entre las que destacan las mostradas en el Museo Barjola (Gijón), Fundación Díaz-Caneja (Palencia), MEIAC (Badajoz), Centro de Arte Alcobendas (Madrid), CAAC (Sevilla) o Sala Parés (Barcelona); así como en varias exposiciones colectivas. Igualmente ha participado en distintas ferias de arte con diversas galerías de arte, siendo representada por la Galería Ángeles Baños. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas como Banco de España en Madrid, CAAC de Sevilla o MEIAC en Badajoz, así como en colecciones privadas como las Fundaciones DKV, Focus-Abengoa o Unicaja, entre otras. Por último, ha recibido premios como el Torres García-Ciudad de Mataró, Parlamento de la Rioja, Internacional de Artes Plásticas de Extremadura, Ciudad de Badajoz, Concurso El Brocense o Pintura Eugenio Hermoso.

Luis Palmero

Nace en San Cristóbal de La Laguna, Tenerife, 1957. Inicia sus pasos en la pintura en 1978.Obtiene el título de licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en 1984.Ejerce como profesor asociado a tiempo completo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, Tenerife en 1990. Obtiene el título de doctor en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna en 1997.

Obtiene el título de Profesor Titular de Universidad por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna en 1999. Participa en la 17 Bienal de Pintura Ciudad de Zamora, obteniendo el primer premio de la Bienal en 2004.Obtiene El Premio Villa de Madrid de Pintura 2005 (Francisco de Goya) a la mejor exposición en Madrid en 2006.

Ha explorado el minimalismo. Su trabajo se ha desarrollado con continuos cambios impuestos por un análisis constante de su obra, donde plantea «una geometría sencilla pero cargada de contenido».Para Palmero el proceso creador es una forma de liberarse como ser humano, y su obra gira en torno a un proyecto selectivo que dé sentido a los cambios, buscando variaciones de una misma imagen. Su lenguaje visual se convierte en un esfuerzo de síntesis y contención.

Comisario: Juan Manuel Bonet

Juan Manuel Bonet (París, 1953) es escritor y crítico de arte. Ha dirigido el IVAM, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Instituto Cervantes. Preside la Fundación Archivo Rafael Cansinos Assens, el Comité Internacional de la Fundación Vicente Huidobro y el patronato del Museo ABC. Autor de libros de poemas; del dietario La ronda de los días; y de un Diccionario de las vanguardias en España (1907-1936).

Ha comisariado exposiciones sobre la pintura de los poetas, el ultraísmo, Revista de Occidente, el surrealismo, el constructivismo polaco, la vanguardia argentina, el exilio republicano español o la generación de los ochenta. También retrospectivas de Tarsila do Amaral, Helmut Federle, Eugenio Fernández Granell, Ramón Gaya, Juan Gris, Guerrero, Alex Katz, Millares, Morandi, Picasso, Xavier Valls, Cristino de Vera o Esteban Vicente. Y muestras sobre fotógrafos (José Manuel Ballester, Català-Roca, Jesse Fernández, Gisèle Freund, Bernard Plossu, Leopoldo Pomés, Sudek…); escritores (Alberti, Max Aub, Cortázar, Ramón Gómez de la Serna, Michaux, Carlos Edmundo de Ory, Tadeuz Peiper…); o compositores (Morton Feldman).

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